Recensioni | Aprile 2024

New England Ballet Theatre del Connecticut. Foto di Jeff Holcombe.

26-28 settembre 2020.
Online su onstagedanceco.com .

Una cosa significativa delle arti è come può dare alle persone una voce, uno spazio per esprimersi e condividere le loro esperienze. Essere in grado di far sentire la propria voce è anche un modo fondamentale per responsabilizzare le persone. Entrambi OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) e Nozama Dance Collective (Boston, MA) hanno responsabilizzato le persone attraverso l'arte della danza come parte fondamentale della loro missione: la prima come spazio per ballerini adulti per esibirsi mentre erano impegnati in altre carriere, e la seconda incentrata sull'empowerment delle donne attraverso la danza. Il Potenziamoci l'un l'altro La serie nasce da un'idea delle due compagnie (OnStage diretta da Jen Kuhnberg e Nozama di Gracie Baruzzi e Natalie Nelson-Schiera), ed è fondata sulla convinzione che la collaborazione possa potenziare tutti i soggetti coinvolti e creare qualcosa di veramente speciale.

Grazie al numero di artisti presentati, è anche una piattaforma per molti artisti per avere una voce: tutti diversi, tutti unici, tutti che valgono qualcosa di speciale a modo loro. Baruzzi e Kuhnberg non avevano intenzione di lasciare che una pandemia globale intralciasse questo importante lavoro. In effetti, quest'anno Potenziamoci l'un l'altro (la seconda annuale) potrebbe dare voce a più artisti quest'anno rispetto alla serie in passato. Inoltre, un formato video virtuale ha lasciato spazio a un breve video di ogni coreografo che precede il loro pezzo, in cui potevano condividere un po 'di se stessi e del lavoro che stiamo per vedere - e potevamo letteralmente sentire la loro voce.

sunlen serfaty altezza

Allo Movement Project Non apprezzare: V4 , interpretato da Allison Rebecca Penn e con la videografia di Jesse Pierce, arriva terzo nello spettacolo virtuale. I ballerini si muovono in vari luoghi all'aperto, un senso di solitudine nel ballare da soli. È solitudine o solitudine? Questa rimane una domanda aperta e intrigante. Penn che balla in questi spazi, insieme ai suoi vestiti da pedone, conferisce al lavoro un'atmosfera quotidiana. Spostarsi in basso nello spazio aggiunge una sensazione di pesantezza, come se si stesse muovendo con il cuore pesante. Momenti evocativi di passanti che si muovono e non la riconoscono si aggiungono alla sensazione di solitudine.

La colonna sonora, una canzone R&B piena di sentimento, aggiunge quella sensazione. L'altoparlante della canzone sembra provare molta confusione, ed è anche solo in quello spazio mentale. L'energia del movimento - frenetica a volte (quindi, quella confusione) ma ancora pesante - sembra allinearsi a tutto ciò. In un momento in cui non possiamo sempre abbracciare coloro che amiamo e l'incertezza aleggia pesantemente nell'aria, il lavoro sembra rilevante e facilmente riconoscibile. Rispecchiarci la nostra esperienza, come a volte fa l'arte, ci permette di vederla in modi nuovi. Cosa può succedere da lì? Solo il tempo può dirlo.

Dana Alsamsam's Lingue materne viene dopo. Alsamsam spiega come il lavoro stia commentando i nostri rapporti con le nostre madri e l'effetto che hanno su di noi durante la nostra vita. Cinque ballerini si muovono attraverso diversi livelli, forme dalla geometria chiara e luoghi nello spazio l'uno rispetto all'altro. Iniziano con quattro ballerini inginocchiati in una sorta di affondo laterale, appoggiati all'interno delle gambe con le braccia larghe. È una forma intrigante che ritorna attraverso il pezzo. Un ballerino balla anche sopra di loro nello spazio. Quella gerarchia attraverso il posizionamento non rimane che i ballerini si muovano in tutti i modi in relazione l'uno con l'altro durante il lavoro. Si intrecciano l'uno nell'altro, come in tensione anche mentre coesistono. La partitura è inquietante, una voce solitaria che emette toni lunghi e cadenzati mentre altre voci fanno vocalizzazioni più staccate e frenetiche. Costumi bordeaux e neri con tagli semplici e puliti supportano l'atmosfera del pezzo e contribuiscono a una piacevole organizzazione estetica.

'Speak' di Shae Forest. Foto di Paul Bloomfield.

Immagino che quella lunga voce staccata sia quella di una madre nella propria psiche, conscia o inconscia, mentre si sente anche una cacofonia di altre voci nel mondo circostante. Il tessere dentro e fuori l'uno dall'altro attraverso lo spazio sembra che quelle voci e quelle influenze si incontrino e trovino una sorta di tolleranza l'una per l'altra. La molteplicità risultante da tutti quei percorsi attraverso lo spazio sembra simile alla molteplicità che deriva da quella cacofonia di voci che può avere un effetto su di noi. Tuttavia, la voce della madre rimane. Per finire, un ballerino giace seduto, di fronte agli altri quattro ballerini - il rovescio della struttura all'inizio del lavoro. Penso a tutti i diversi modi in cui l'ascolto della voce di nostra madre può influenzarci e a tutte le diverse situazioni in cui possiamo trovarci in cui la sentiamo.

Shae Forest's Parlare esplora come la danza può agire come un linguaggio e il significato di questo per la comunicazione nella società, condivide nel suo frammento introduttivo. Purtroppo, questo non è un argomento che è al centro dell'attenzione per una società più ampia, pensa una parte forse cinica di me. Eppure chiunque può apprezzare le offerte estetiche di questo pezzo. I ballerini, che indossano abiti body bianco sporco dal taglio elegante, si muovono con incredibile facilità attraverso un vocabolario di movimento molto tecnico e stimolante. Si muovono con passione e impegno attraverso quel lavoro impegnativo, in modo tale da sembrare espressivo e significativo piuttosto che semplici 'trucchi' di movimento per il loro bene.

L'illuminazione oscurata e la sensazionale colonna sonora strumentale rafforzano ulteriormente il dramma e l'espressione. La foresta ha anche organizzato raggruppamenti abilmente strutturati nel lavoro in modo tale che i ballerini vanno e vengono ei gruppi stanno cambiando abbastanza da essere intriganti, ma non tanto da sentire che quei cambiamenti stanno arrivando troppo velocemente - quei cambiamenti forse rappresentano una sorta di comunicazione propria. A volte l'arte ha un significato ampiamente accessibile, a volte è esteticamente piacevole o memorabile, e talvolta ha entrambe le cose. Nessuna di queste opzioni è intrinsecamente fuorviante. Valgono tutti qualcosa.

Rachel Linsky's Selezione è un lavoro memorabile e stimolante. Il significato importante incontra la competenza tecnica e il risultato è qualcosa di veramente affascinante. Nel suo frammento pre-performance, Linsky spiega che il pezzo esplora il processo di 'selezione', mediante il quale i nazisti separavano coloro che erano in grado di lavorare e coloro che sarebbero stati uccisi immediatamente quando portavano prigionieri ebrei nei campi di concentramento. Le famiglie sono state separate attraverso questo processo, condivide Linsky, che è stato uno strumento comune degli oppressori sugli oppressi nel corso della storia. Al di fuori del Museo dell'Olocausto di Boston, i ballerini formano linee rette - in inquietante allineamento con i prigionieri ebrei all'arrivo nel luogo della loro (probabile) morte. Il fumo sale, un altro riferimento agghiacciante qui.

'Selezione' di Rachel Linsky. Foto di Lisa Link.

Si muovono (all'interno di quelle linee) con un certo livello di qualità legata, piegandosi lateralmente e rotolando attraverso le spalle per curvarsi in avanti, incarnando costrizione e mancanza di autonomia. Sostenendo questo senso, e il desiderio di sfuggire alla costrizione mentre sono incapaci di farlo, raggiungono il cielo ma altre volte cadono a terra o appena sopra di esso in un profondo affondo. I ballerini indossano maschere ovviamente a causa del COVID, ma mi ricorda anche una malattia, come quella che ha portato all'uccisione di sei milioni di ebrei e altri sei milioni ritenuti una minaccia per il potere nazista. I numeri lampeggiano davanti ai ballerini mentre si muovono, rappresentando i numeri di identificazione dei prigionieri del campo di concentramento. Il peso di questo trauma storico, questa piaga della storia, mi colpisce a un livello molto viscerale.

Tuttavia, la cosa veramente spaventosa qui non è il peso del passato isolato - è quel passato che fa rima con le cose che accadono oggi. Verso la fine, tra le voci di altri sopravvissuti al campo di concentramento, sentiamo Bernard Marks confrontarsi con lo sceriffo e direttore facente funzione dell'ICE in un municipio di Sacramento, in California. Parla con franchezza e ferocia, tracciando paralleli con il modo in cui è stato separato dalla sua famiglia nei campi di concentramento e con come ciò sta accadendo oggi nei centri di detenzione per migranti proprio qui negli Stati Uniti. Prendo un momento di solenne riflessione dopo aver visto l'opera, giurando di non dimenticare mai e di non scusare mai l'odio. Opere come quelle di Linsky, con un comando estetico e un significato veramente potente, possono avere quel tipo di effetto.

Presto, tuttavia, le ballerine del New England Ballet Theatre del Connecticut offrono qualcosa di molto più leggero e gioioso. Una dolce musica di pianoforte accompagna il loro effervescente movimento balletico attraverso diversi luoghi all'aperto: salti alla grande vicino a un lago, affondi e gesticolano con le braccia sui gradini di una casa classica e girano su un portico. Gli effetti al rallentatore migliorano la sensazione di libertà in volo e i filtri aggiungono un'armonia visiva davvero piacevole. Sembra tutto come una fuga dalla realtà di COVID. I ballerini non indossano nemmeno maschere (cosa che trovo bene perché non si avvicinano particolarmente quando ballano nella stessa inquadratura). La tranquillità e la gioia del lavoro, per non parlare dell'ampiezza e della libertà con cui si muovono le ballerine, sembra una medicina per l'anima in questo momento (o in qualsiasi momento, potrebbe essere) .

Eppure il lavoro non è del tutto privo di portata emotiva o concettuale verso la fine, i ballerini compiono movimenti artistici sui lati di un edificio - oltre che visivamente belli, trasmettendo un raggiungimento e un si sono incontrati nel lavoro). Non importa cosa troviamo e sperimentiamo, c'è sempre qualcosa al di fuori di questo. Il New England Ballet Theatre del Connecticut ha una voce che potrebbe portarci tutto questo, proprio come altre voci hanno offerto i loro doni attraverso la loro voce. Brava alla OnStage Dance Company e al Nozama Dance Collective per aver creato lo spazio per tutte quelle voci.

Di Kathryn Boland di La danza informa.