'Waiting' di Amy Foley. Foto di Mickey West Photography. Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25 gennaio 2020.
Concetto: può distinguere l'arte della danza dal movimento, renderla rilevante e renderla veramente 'colpita a casa' con i membri del pubblico. La Onstage Dance Company di Malden, con sede a MA, una casa accogliente per professionisti impegnati che vogliono continuare a ballare oltre i loro giorni di ballo in studio e al college, presenta sempre spettacoli ben fatti e divertenti. Eppure, nella performance della stagione 18 della compagnia, la presenza di concetti particolarmente toccanti e memorabili mi ha colpito. Mi ha ricordato quanto potente possa essere un concetto inventivo o significativo, portato avanti con dedizione e cura.
Il primissimo pezzo, quello di Michelle Block Sottosopra , ha dato inizio a questa tendenza di concetti sofisticati e divertenti. I ballerini hanno iniziato in silhouette, illuminati da dietro, in due file. Le luci si sono accese per rivelare molti più abiti colorati, verdi e viola con una tavolozza di colori luminosi da abbinare.
Block ha chiesto di avere questi due gruppi di colori in modi esteticamente intriganti, come la collaborazione di un ballerino che indossa un colore e un altro ballerino che indossa l'altro, intrecciando e alternando ballerini che indossano i due colori e dividendoli sui lati del palco. Questo era un concetto senza nome, ma chiaramente visibile all'interno dell'opera. Un altro è stato effettivamente nominato, nel titolo i ballerini si sono invertiti fisicamente e l'un l'altro nella partnership. Entrambi questi concetti riproducono in modo convincente la dualità: su o giù, un colore o un altro.
Sebbene questi binari fossero chiari, ciò che ha anche stuzzicato il mio interesse sono stati gli spazi e i tempi in cui abbiamo visto sfumature di grigio tra le due estremità dello spettro - da metà a sottosopra, corpo parallelo al pavimento, o quando i colori sono stati mescolati all'interno un gruppo. I ballerini hanno eseguito il tutto con impegno e padronanza tecnica. Visivamente e mentalmente, c'era così tanto da masticare. A parte quello, è stato semplicemente divertente da prendere in considerazione.
Teresa Fardella's Disperso in mare è venuto dopo. Ha portato una sensazione diversa: più oscura, più misteriosa, più riflessiva. Una partitura per pianoforte con voci allettanti ha iniziato a instillare questa atmosfera e abiti bianco sporco, che offrivano la sensazione di uno stato vuoto, l'hanno ulteriormente sviluppata. L'illuminazione era scarsa ma è diventata più luminosa man mano che il brano procedeva. Allo stesso modo, il movimento ha accelerato un po 'ed è diventato più leggero di energia man mano che il brano andava avanti. Piccoli salti e balzi più grandi hanno aggiunto una sensazione di volo a questo aumento di energia.
Un altro sviluppo è stato l'ingresso di ballerini in abiti neri, creando un contrasto di due gruppi separati, come aveva fatto il pezzo di Block. In questo pezzo, questa scelta è servita a rafforzare un sentimento di ricerca, ricerca di un opposto, di qualcosa al di fuori del conosciuto. A ciò si aggiungeva spesso il passaggio ad altri livelli nello spazio e in luoghi nello spazio (lo spazio scenico che è). Dal modo in cui i ballerini si relazionavano - volteggiando, abbassandosi, avvicinandosi ma poi sicuramente allontanandosi - ho pensato a questo 'perso in mare' come una separazione dalla vera connessione umana, persa nel turbolento mare della vita.
Ci vorrebbero chiarezza e intento nel movimento perché il movimento stimolasse una tale interpretazione, e gli artisti hanno risposto. Uno stile balletico / lirico ha aggiunto una grazia e un formalismo che hanno ammorbidito il bordo di tutto questo. Alla fine, i ballerini si fermarono e sembrarono, per la prima volta, vedersi veramente. Sono stati trovati? Spetterebbe ai membri del pubblico decidere da soli. Questa è una cosa meravigliosa per la quale l'arte può tenere spazio.
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A chiudere la scena è stata Jennifer Kuhnberg Angelo dalle ali . Ogni sua parte ha promosso il concetto di guidare gli angeli nelle nostre vite. Per iniziare, il palco era retroilluminato per creare un effetto silhouette. Stendibiancheria drappeggiati con abiti bianchi creavano l'immagine di ali d'angelo, e i ballerini avevano formato un quadro appena sotto. Le luci si sono accese per rivelare i ballerini completamente illuminati, in costumi che erano graziosamente fluenti e bianchi. L'illuminazione creava ombre dalla sensazione eterea. Man mano che il brano procedeva, una sensazione di armonia divenne chiara, anche attraverso varie formazioni e modi di ballerini di relazionarsi tra loro (a cannone, all'unisono, nel proprio movimento).
La collaborazione, in una qualità contemporanea ammorbidita e rilasciata, ha portato un senso di sostegno. I ballerini rotolavano sul fianco di un partner per atterrare in affondi profondi e radicati o per spostare il loro slancio in una svolta. C'era una buona quantità di attività sul palco, ma era tutto altamente organizzato visivamente - per essere accessibile, avvincente e divertente. Queste qualità sono continuate fino alla fine: i ballerini hanno creato un tableau di vari livelli e forme, una forma di ala illuminata dietro di loro. C'era sicuramente qualcosa di ultraterreno e maestoso in tutto questo, qualcosa che mi ha fatto sentire più calmo e pacifico solo dopo averlo sperimentato.
Willow Gertz's La rosa finale ha aperto il secondo atto. Le immagini curvilinee si ricollegavano ai fiori e uno schema di colori rosso / rosa lo rendeva ancora più chiaro. Il movimento forte con una grazia chiara emulava la bellezza di una rosa che tuttavia ha elementi protettivi di spine come un motivo di un braccio che gira portò la morbidezza e le formazioni nettamente geometriche portarono la forza. Ballerini collegati a forma di catena, serpeggiando sul palco, ma poi si spostarono in diagonale. Si tennero le mani dietro la schiena, camminando in una qualità legata, finché non si mossero in una qualità che si scioglieva. I ballerini hanno trasmesso queste qualità in modo chiaro e convincente. Questo contrasto di forza e morbidezza, emblematico di una rosa - nel vocabolario del movimento, nella qualità del movimento e nelle formazioni - ha dato vita a un concetto intrigante e una pepita semplicemente divertente di arte della danza.
Più tardi nell'Atto arrivò un'altra opera di Kuhnberg, Gioco di sopravvivenza . Un'atmosfera selvaggia e tutta la pericolosa inquietudine in essa contenuta erano chiari e intriganti fin dall'inizio del pezzo. I ballerini hanno formato delle linee e poi hanno ballato in esse, grandi bastoni che aggiungevano un elemento di base e un'ancora uditiva (hanno sbattuto gli oggetti di scena sul palco all'unisono, richiamando l'attenzione e contribuendo all'atmosfera). La natura selvaggia era chiara nell'illuminazione verde e gialla, nei tagli frastagliati dei costumi in colori simili e nei movimenti rudi.
I testi 'il gioco della sopravvivenza' risuonavano per il teatro, e tutto si è riunito per me. Diversi gruppi di loro si muovevano in modi che mi facevano dubitare di chi fosse il cacciatore e chi fosse la preda: girando in tondo, scagliandosi, tuffandosi sopra e sotto. Il vocabolario dei movimenti di Kuhnberg è diventato audace e tenace come il selvaggio che ritraeva i ballerini scivolavano su un fianco, rotolavano sulle spalle di altri ballerini e saltavano sugli altri ballerini sdraiati sul palco.
Il finale mi ha catturato soprattutto, tuttavia i ballerini hanno sbattuto le bacchette all'unisono e le luci si sono spente: un richiamo allettante per chiedermi cosa sarebbe potuto succedere, oltre i confini del pezzo nel mondo immaginario che aveva costruito, e semplicemente un vero attirare i sensi. Costruire abilmente un concetto attraverso un'opera d'arte dance può avere un tale effetto, e Onstage Dance Company ha lodevolmente offerto lì nella sua performance della stagione 18.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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