Hana Kozuka. Foto di Richie Babitsky. 'Nessuno sa più cosa sia' contemporaneo ',' moderno 'o' jazz '.' L'hai sentito prima? Questo scrittore ha. Potrebbe anche averlo detto lei stessa un paio di volte. Può essere un'esagerazione, ma resta il fatto che molti artisti e insegnanti di danza stanno mescolando queste forme e creando così qualcosa di nuovo. Di conseguenza perdiamo l'integrità e la chiarezza delle tecniche classiche e codificate - e tale fusione deve quindi essere eseguita con cura e riservatezza? D'altra parte, questa fusione di forme sta aprendo spazi per una fruttuosa collaborazione - e quindi da incoraggiare? Per coloro che hanno a cuore il fiorire dell'arte della danza nel futuro e la conservazione della sua tradizione, queste sembrano essere questioni da non prendere alla leggera.
Per approfondire queste domande, Dance Informas ha parlato con quattro artisti di danza: Hana Kozuka, la ballerina / coreografa di Los Angeles Bettina Mahoney, direttrice fondatrice di Fortitude Dance Productions e l'insegnante di danza Tracie Stanfield, direttore fondatore di Synthesis Dance con sede a New York e Taylor McLean Bosch, direttore artistico di Nitrogen: The Company e insegnante di danza con sede a New York / Long Island. Facciamo un salto!
Taylor McLean Bosch.
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Perché questa varietà di stili? Di conseguenza, c'è un impatto maggiore nel mondo della danza?
Stanfield crede che “la fusione di stili (sotto-stili) sia, in un certo senso, un riflesso o una risposta al mondo in cui viviamo. La nostra società, più che mai, valorizza l'individualità, la personalizzazione e l'autonomia. Gli artisti non sono vincolati dalle 'regole' o dalla metodologia del passato '. Il pensiero di McLean Bosch qui è simile. 'Tutti cercano di trovare la propria voce', pensa. Kozuka osserva che questa proliferazione di stili porta 'così tante altre cose da fondere insieme'.
D'altra parte, Stanfield descrive come possiamo vedere questa tendenza come un'altra ondata di proliferazione di stile / tecnica avvenuta con la crescita delle tecniche e del repertorio di Graham, Horton e Limón - ma con 'una differenza principale è che non esiste un Il sistema di base per ogni sottostile o tecnica dipende esclusivamente dai valori e dalle preferenze del coreografo / insegnante. ' Inoltre, questa proliferazione sta avvenendo oggigiorno in 'strada, jazz e stili di balletto ', dice Stanfield. Ad esempio, c'è stata una fioritura di classi in sotto-stili come 'jazz contemporaneo', 'fusion contemporanea', 'strada contemporanea', 'balletto contemporaneo' e 'jazz lirico'.
Hana Kozuka. Foto di Peter Yesley.
Tuttavia, alcuni insegnanti si identificano e si promuovono non in base a uno stile convenzionale che insegnano, ma in base al proprio stile / qualità e marchio di movimento. A loro volta, gli studenti possono guardare ai nomi e ai marchi degli insegnanti piuttosto che agli stili quando decidono quali lezioni prendere - come afferma Kozuka è la sua norma. 'È difficile mettere un'etichetta sulle cose al giorno d'oggi!' lei dice. Indica i social media come motore di questa tendenza per costruire il proprio marchio. In qualità di insegnante, McLean Bosch crede di avere uno stile e un'estetica unici, ma dirà di essere un'insegnante 'contemporanea' se questo è ciò che i datori di lavoro cercano.
la fidanzata di Tom cassell
Esiste una tensione tra la modalità di branding dell'artista e quella delle attività basate sulla danza, tuttavia Mahoney descrive come deve nominare i corsi di alcuni insegnanti per le sue convenzioni, anche se a loro non piace che il loro stile sia 'classificato'. 'Ho un'attività e devo fare pubblicità', afferma. Convalidando questo punto, McLean Bosch indica che le convenzioni perdono affari per non offrire corsi 'contemporanei'. Allo stesso tempo, i concorsi hanno classificato i suoi pezzi come 'moderni' - quando crede che il suo lavoro sia più 'contemporaneo' che 'moderno'.
È un problema? è una cosa buona? È entrambe le cose? Cosa è importante tenere a mente, in termini di approcci in pedagogia, coreografia, branding?
Mahoney si preoccupa quando si tratta di studenti di danza che hanno una base di tecnica codificata o meno 'non puoi andare fuori dal libro se non hai il libro in primo luogo', afferma. Parte di questa importante instillazione di stili di danza convenzionali nei giovani studenti è insegnamento della storia della danza - da dove provengono queste forme all'interno del contesto storico generale. 'Allora gli studenti possono sapere che il contemporaneo è nato dal postmoderno e il postmoderno dal moderno, ad esempio', afferma Mahoney. Per quanto lei vede, rispetto e padronanza di tali forme - e la loro eredità storica - rende la coreografia, la performance, la pedagogia molto più forti e altro ancora. Come dice un vecchio proverbio, devi conoscere le 'regole' prima di poterle 'infrangere'.
Bettina Mahoney.
Kozuka e McLean Bosch in definitiva vedono questa tendenza di stili che si fondono e proliferano come una cosa positiva, qualcosa che può consentire agli artisti di trovare le loro voci creative più vere e fare un lavoro meraviglioso. Kozuka pensa che, piuttosto che sentirsi come se dovessimo mettere le cose in 'scatole', è in nostro potere creare nuove scatole. 'Se [i nuovi stili] resistono alla prova del tempo, allora rimarranno - o non lo faranno', pensa. 'Sta per succedere: emergeranno nuovi stili e i generi più vecchi diventeranno obsoleti', afferma McLean Bosch.
Stanfield convalida la scoperta del proprio stile di movimento 'anche nessuna regola è una regola'. Plaude allo spazio per la creatività e la libertà e sottolinea che l'innovazione porta sempre la paura del cambiamento (come 'brontolii per l'ubiquità] dei telefoni cellulari.'). Alla fine, Mahoney crede che gli artisti di danza portino la propria storia del movimento, dalle qualità uniche di insegnanti e coreografi con cui hanno studiato e per cui hanno ballato. Anche Kozuka sottolinea questo punto. Incarnare, e da lì trasmettere, eredità stilistica e tecnica sembrerebbe essere qualcosa da incoraggiare, poiché è così che il campo della danza è cresciuto fino a diventare quello che è.
foto jazz
Tracie Stanfield insegna al Broadway Dance Center.
In che modo il mondo della danza sfrutta al meglio questa tendenza?
Stanfield sottolinea la sfida per i ballerini che tutto questo può creare - doverlo fare allenarsi in 'tutti gli stili'. 'Quando tutto è importante, alla fine niente è importante.' lei crede. Pertanto, sembrerebbero necessarie conversazioni più profonde su ciò che è fattibile e accessibile per i ballerini. Per quanto riguarda le tensioni tra artisti che insegnano danza e imprenditori, come quelli descritti da McLean Bosch e Mahoney, forse un dialogo così ulteriore potrebbe aiutare anche lì. Entrambe le parti potrebbero esprimere i loro bisogni e desideri e trovare un terreno comune potrebbe portare a un consenso reciprocamente gradevole.
Per quanto riguarda le preoccupazioni di Mahoney sugli artisti di danza a partire da una base di tecniche codificate - padronanza tecnica e profonda conoscenza contestuale della stessa - gli educatori di danza possono inquadrare i loro curricula prima instillando quella fondazione nei loro studenti, quindi guidandoli a diramarsi verso qualcosa di più proprio. Per Kozuka, navigare in queste dinamiche di identità stilistica spetta a ogni artista avvicinarsi con il proprio miglior giudizio, la massima integrità e la piena autenticità personale. Questo si moltiplicherà verso l'esterno per creare un mondo di danza che fa lo stesso.
Stanfield crede che 'i ballerini siano attratti da un lavoro che risuoni con loro ... gravitiamo verso le esperienze e gli stili che ci nutrono e ci sfidano'. Le etichette non sono necessariamente significative per noi come lo sono per altri tipi di persone e possiamo portare un pensiero flessibile in varie situazioni. Con buon giudizio, integrità, autenticità e pensiero flessibile, possiamo navigare in dinamiche difficili, anche quelle difficili come l'identità stilistica, il marchio di artisti della danza personale, la tradizione contro l'individualità e simili. Facciamolo!
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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