Gli artisti dell'insegnamento di Broadway Connection spiegano perché la formazione nel teatro musicale può essere preziosa per ballerini di tutti gli stili e generi.
Sei un bunhead fino al ginocchio in scarpe da punta, lana di agnello, copri chignon e forcine? O un ballerino contemporaneo sempre in fuga tra lezioni, acrobazie e le convention più calde? Se è così, hai mai pensato alla formazione nel teatro musicale? In caso contrario, ora è il momento! Poiché i ballerini continuano a diversificarsi nella loro formazione oggi, assicurati di non lasciare fuori il teatro musicale.
La formazione in teatro musicale può davvero avvantaggiare ballerini di altri stili e generi in vari modi. Per non parlare del fatto che non sai mai quando il tuo studio o la tua futura compagnia si occuperanno di un musical. Ti servirebbe bene essere preparato!
Callan Bergmann.
Dance Informa ha recentemente contattato tre artisti docenti di Broadway Connection (BC) che condividono il motivo per cui la formazione nel teatro musicale può essere così vantaggiosa. Il primo artista aC, Callan Bergmann , sta lavorando alla nuova produzione di Broadway di Gatti . In precedenza, si è esibito a Broadway in Rodgers and Hammerstein's Cenerentola , Off-Broadway nella commedia Silenzio! Il musical e in Il gentiluomo preferisce le bionde al City Centre Encores. Ha anche fatto tournée a livello nazionale e internazionale per Mary Poppins e Renetta .
Bergmann dice che studiare teatro musicale può essere utile per ballerini di altre origini e tecnica perché ti ricorda che 'la danza è tutta una questione di narrazione'.
Spiega: “In altre forme di danza può essere facile dimenticarlo, ma nel teatro musicale lo storytelling è sempre in prima linea. Penso che quando i ballerini che si concentrano su altre tecniche studiano il teatro musicale, aiuta con la loro narrazione con il loro stile di danza principale '.
Membro di facoltà BC Bretagna Conigatti , che è attualmente protagonista di West Side Story , è completamente d'accordo. Ha seguito molta formazione - si è diplomata alla 'The Fame School', ha conseguito il BFA presso The New School e si è formata a lungo con Paul Taylor, Joffrey Jazz and Contemporary e l'American Music and Dramatic Academy - e si è esibita a livello nazionale in La bella e la bestia della Disney , Elfo , Un racconto del Bronx , Rock of Ages , Dolce carità , L'uomo della musica , Lacca per capelli e Matilda .
'Il teatro musicale si concentra sulla narrazione attraverso tanti fattori: linguaggio, dialogo, testi e, naturalmente, movimento e coreografia per comunicare un messaggio o una storia a un pubblico', condivide. 'Penso che lo studio del teatro musicale completi un artista dando loro uno sbocco molto specifico per comunicare e sfidi quegli artisti a comunicare non solo attraverso le tecniche di danza che studiano, ma tutto il loro sé.'
Roddy Kennedy.
Allo stesso modo, membro della facoltà di BC Roddy Kennedy , che attualmente si esibisce nel grande successo di Broadway Hamilton , concorda con Bergmann e Conigatti, definendo la narrazione un tratto importante del teatro musicale. La sua esperienza in tournée con produzioni di Grasso , Fama , Nelle altezze , Giuseppe… e Gioco del pigiama gli ha fornito una comprensione più profonda di ciò che richiede la narrazione e del motivo per cui i ballerini devono studiarla in un contesto di teatro musicale.
'Ho scoperto che nella danza del teatro musicale, iniziamo dalla narrazione e dal movimento basati sull'intenzione', dice Kennedy. 'Il tuo obiettivo nella formazione del teatro musicale è un approccio molto più interiore verso l'esterno della performance del tuo personaggio rispetto all'addestramento dall'esterno verso l'interno che troviamo con la formazione tecnica.'
Spiega: 'Significa che sin dall'inizio nel teatro musicale, quando si dà movimento, a te come 'artista' è richiesto di porre domande sul 'Perché?' Perché il mio personaggio è motivato a muoversi in quel modo? Il fulcro del movimento diventa una conversazione immediata di causa e affetto all'interno della trama di quel numero e della trama generale dello spettacolo. Dopo averlo delineato, torniamo indietro e perfezioniamo il movimento con l'allenamento della tecnica di danza, mentre nel balletto, nel tap, nel jazz o nell'hip hop, ti concentri sulla tecnica di movimento di base e sul corretto posizionamento / allineamento del corpo per iniziare e poi aggiungere livelli di prestazioni. '
Conigatti sottolinea che la formazione di teatro musicale aiuta anche a insegnare ai ballerini come usare la loro voce. Al liceo, quando studiava alla 'The Fame School', ricorda di aver fatto un'audizione e di aver fatto il cast per il suo primo musical professionale, Paper Mill Playhouse's Disney High School Musical sul palco.
Bretagna Conigatti. Foto di Robert Mannis.
'Essendo così giovane e nuovo nel mondo del teatro musicale, entrare nella sala prove per un musical era molto diverso dall'entrare in uno per un pezzo di danza o un concerto come ero abituata', condivide. “Ad esempio, sono rimasto affascinato dal modo in cui venivano eseguite le prove musicali. A quel punto della mia vita, non avevo preso lezioni di canto, tranne una lezione di gruppo in cui ho imparato 'All That Jazz'. Sapevo poco o niente di teatro musicale, tranne che amavo assistere agli spettacoli di Broadway. Quindi, quando arrivava il momento delle prove musicali, registravo tutto ciò che veniva detto, e mi sedevo e scrivevo le definizioni accanto alle diverse note o notazioni nella musica, in modo che quando tornavo a casa potevo iniziare a farmi un'idea come a ciò di cui parlava il direttore musicale. '
Questa incursione nel teatro musicale le ha permesso di mettere alla prova la sua voce per la prima volta e di imparare a leggere e interpretare la musica, dandole un vantaggio su altri ballerini che non avevano idea di come fare queste cose. Sulla stessa linea, Bergmann sottolinea che il teatro musicale offre agli artisti 'una comprensione molto migliore della musicalità'.
'La musicalità è qualcosa che, per me, separa davvero un ballerino straordinario da un bravo ballerino', dice.
Oltre alle ragioni già menzionate (narrazione, uso della voce e promozione della propria musicalità), Conigatti afferma che il teatro musicale è anche vantaggioso perché spesso ti dà la possibilità di crescere in modo unico nelle tue capacità di lavoro di squadra, per promuovere il tuo kit di strumenti di partnership, per aumentare la tua adattabilità e flessibilità e per accrescere la tua fiducia personale mentre pratichi un nuovo tipo di qualità delle prestazioni.
A un certo punto, dice, 'Penso che le audizioni di musical mi abbiano spinta a sentirmi sicura con chi sono e con ciò che so di portare in tavola come interprete. Il talento non è sempre ciò che fa o interrompe le decisioni: età, altezza, tipo di corpo, colore dei capelli, eccetera, diventano tutti fattori in questo settore. Mi sento molto fortunato che in così giovane età i miei genitori mi abbiano messo nella danza, e da allora ho avuto la fortuna di esplorare altri sbocchi come convegni e corsi di perfezionamento, frequentare una delle migliori scuole di arti dello spettacolo del paese, fino ad ora riuscire a perseguire il mio sogno! Il mio viaggio da quando ero piccolo ad oggi mi ha permesso di crescere come performer. Accetto ogni sfida e mi impegno per avere successo. Il teatro musicale è stato l'elemento che ha unito tutto questo. Mi permette di salire sul palco notte dopo notte e di usare il mio corpo come strumento per condividere il messaggio / morale di una storia '.
Artisti di Broadway Connection. Foto di Krista Greves.
Per gli studenti ballerini che desiderano immergersi nel teatro musicale per la prima volta (o semplicemente di nuovo), Broadway Connection offre corsi di perfezionamento e workshop in tutto il paese. Le scuole e gli studi mettono in evidenza questi artisti per insegnare nei loro spazi domestici, offrendo un tutoraggio e una guida intimi, quasi uno contro uno in questo stile di danza. Oltre ai numerosi vantaggi già discussi, BC Teaching Artists cerca anche di impartire qualcosa di ancora più significativo - un'educazione su come essere “creativi” e “artisti generativi” nella vita.
La co-fondatrice e direttrice artistica di BC Jennifer Jancuska afferma: “La formazione nel teatro musicale incoraggia, insegna e ispira i ballerini ad essere artisti generativi con una voce. In teatro, collaboriamo come un insieme per raccontare una storia, per comunicare. Queste abilità spingono i confini della tecnica di danza e sono essenziali in tutti gli ambiti della vita. Inoltre, è divertente! '
Bergmann lo sostiene, aggiungendo: “Penso che i giovani interessati a intraprendere una carriera nella danza debbano essere artisti piuttosto che tecnici. Broadway Connection offre la capacità non solo di sviluppare abilità di danza, ma anche di esplorare il pensiero artistico. La sperimentazione all'interno delle classi consente un processo creativo a cui i giovani artisti devono essere esposti '.
Kennedy, che è appassionato di esplorazione e sperimentazione, dice che questo deve essere insegnato perché 'avere un ambiente che ti permetta e ti supporti per correre rischi in sicurezza e possibilmente fallire è il atmosfera di maggior successo. ' Aggiunge: “Come genitore, questo dovrebbe essere incoraggiato nei confronti del tuo giovane artista. Consentire davvero loro di trattare la danza o il teatro musicale come qualsiasi altra fiera della scienza o progetto di storia. Invitali a studiare e fare ricerche. Invitali a esercitarsi e dialogare con loro sui loro progressi '.
Artisti di Broadway Connection. Foto di Krista Greves.
Conigatti sottolinea: “Avere quella mentalità e quella concentrazione influisce sulla longevità dei ballerini, prevenendo il burnout consentendo al ballerino di non cadere in una routine banale. Essere nella mentalità della creazione e dell'esplorazione mantiene costantemente la mente che lavora fuori dal piacere, che nel complesso si trasferisce in felicità per l'esecutore. '
il balletto è
Riassumendo, osserva Bergmann, “L'aula di Broadway Connection è la più varia e completa aula di teatro musicale del paese. I professionisti del lavoro offrono uno sguardo a ciò che è necessario per una carriera professionale di successo, oltre a esporre i ballerini alla tecnica, creatività e generosità che forniranno crescita sia come ballerini che come esseri umani '.
Kennedy conclude: “Ti chiediamo di portare il tuo sé più positivo e aperto al lavoro. Porta le domande che potresti avere e porta anche le informazioni che hai trovato. Incoraggiamo la necessità di esplorazione e la disciplina di essere concentrati in modo da poter imparare. Tutto questo a sua volta ci permette di divertirci. '
Di Chelsea Thomas di La danza informa.
Foto (in alto): artisti di Broadway Connection. Foto di Krista Greves.
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