Di Rebecca Martin.
Parla di aprire una lattina di vermi. Con l'uscita del libro di Jennifer Homans Gli angeli di Apollo , che traccia la storia del balletto, è scoppiata una raffica di dibattiti sull'epilogo incluso alla fine del libro. In esso, Homans suggerisce che il balletto o è morto o sta morendo. Una simile affermazione ispirerà sicuramente una risposta da parte degli amanti del balletto, dei ballerini e degli studenti allo stesso modo, sia che si tratti di un saggio cenno di assenso o di una furiosa confutazione.
'Dopo anni passati a convincermi del contrario', scrive la signora Homans, 'ora sono sicura che il balletto sta morendo'.
Il nocciolo dell'argomento di Homans è incentrato sull'idea che pezzi come quello di George Balanchine Divertimento No. 15 sono diventati banali e non hanno più la capacità di commuovere il pubblico. Mentre molte opere d'arte non riescono a sopravvivere al passare del tempo, nel caso del balletto classico e dei pezzi di balletto moderno che durano da decenni e vengono ancora eseguiti e apprezzati fino ad oggi, non è il pezzo che è diventato banale. È l'esposizione del pubblico a lavori più recenti, una maggiore tecnica e una messa in scena più impressionante delle produzioni che ha cambiato il modo in cui vediamo le opere più vecchie. Il coreografo, ballerino, maestro di ballo e regista Robert Kelly dice: 'dire che il balletto sta morendo è come dire' la musica classica è passata 'o' il surrealismo è morto '. È una forma d'arte con un meraviglioso patrimonio e una ricca storia '. In effetti, proprio come le canzoni popolari o le dichiarazioni di moda che hanno avuto un grande successo al momento del rilascio e sono ora fonte di ridicolo e sono per lo più dimenticate, molti balletti saranno lodati alla prima e altrettanto rapidamente allontanati dalla memoria. Diventeranno datati e banali. Non tutte le produzioni diventeranno un classico, né ogni performance sarà memorabile.
Australian Ballet esegue The Possibility Space di Nicolo Fonte. Foto Jeff Busby
Il direttore artistico dell'Australian Ballet, David McAllister, ritiene che il balletto sia vivo e vegeto. “Ci sono così tante compagnie in tutto il mondo che creano una miriade di nuovi lavori che esplorano la tecnica del balletto e la usano in modi completamente nuovi e innovativi. Le produzioni del canone del balletto del XIX secolo vengono aggiornate e presentate utilizzando la tecnologia e le tecniche del 21 ° secolo in modi che danno nuova vita al pubblico di oggi. I giovani ballerini stanno ancora frequentando lezioni di danza classica in tutto il mondo e la danza è vista da un pubblico in continua crescita grazie a un mondo online di Facebook, blog e Youtube '.
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La tecnologia consente ai progetti più piccoli di decollare, ricevere visibilità e finanziamenti. Laddove una volta il balletto era visto come un'attività per la classe superiore e intrattenimento per l'elite, le compagnie di balletto si stanno avvicinando al pubblico più giovane e si stanno muovendo con i tempi. Tuttavia, l'alto costo di vedere un'importante compagnia di balletto rimane fuori dalla portata di molte famiglie, studenti e adulti allo stesso modo.
Homans trascura di indirizzare la sua valutazione della vitalità del balletto alle produzioni moderne che stupiscono il pubblico, sfidano i ballerini e si alzano in piedi per ripetere le esibizioni. Certo, è troppo presto per dire se molti di questi pezzi diventeranno dei classici e garantiranno la longevità della forma d'arte. Respinge apertamente le opere contemporanee come 'eccesso ginnico o melodrammatico', suggerendo che solo i balletti tutù di un tempo hanno un posto nel clima attuale. Una simile opinione suona molto simile alla stessa critica che è stata lanciata al primo rock and roll o al poema rivoluzionario di Allen Ginsberg Howl. L'arte rivoluzionaria avrà sempre i suoi critici e ci sarà sempre un elemento di adattamento mentre la danza avanza. Meglio che lo faccia che rimane stagnante e svanisce nell'oblio.
Certamente, il balletto è una forma d'arte strutturata e possono esserci solo così tante variazioni prima che smetta di essere balletto, mentre altre forme di danza come l'hip hop o il jazz possono assumere molte forme diverse e rimanere fedeli alle sue origini. Questa non è una critica, piuttosto un'osservazione. La struttura del balletto gli consente di rimanere coerente nel tempo e non cadrà preda della disintegrazione. Detto questo, per mantenere un pubblico nuovo e più giovane esposto a una così vasta gamma di mezzi di intrattenimento interessati al balletto, è essenziale che l'arte abbracci la tecnologia e utilizzi le sue varie forme per coinvolgere le persone. Man mano che i nostri atteggiamenti nei confronti dell'intrattenimento cambiano, anche l'intrattenimento stesso deve evolversi. McAllister vede il balletto continuare a “evolversi e svilupparsi per riflettere l'ambiente in cui viviamo. In ogni generazione ci sono persone che innovano e portano nuove idee e nuova energia al balletto. Le loro opere si aggiungono al canone ei loro capolavori diventano i classici del futuro. Sebbene sia importante mantenere e presentare le grandi opere del passato che sono le fondamenta del balletto, è altrettanto cruciale sviluppare e nutrire i coreografi di oggi per mantenere viva e viva l'evoluzione della nostra forma d'arte! '
Julie Kent e Marcelo Gomes dell'American Ballet Theatre in Romeo e Giulietta. Foto Rosalie O’Connor.
Le compagnie di balletto stanno impiegando pubblicità più incentrata sulla moda con colori vivaci e una visione spigolosa di una tradizione classica. Un paio di anni fa, il San Francisco Ballet aveva l'immagine di due ballerini che si baciano sul retro di un'auto decappottabile sui loro poster promozionali. Molti bar e negozi hanno messo i poster, che per loro era il primo poster di danza che avessero mai mostrato. I ballerini dell'Australian Ballet possono essere visti spesso tra le pagine delle riviste di moda, nonché di sport e altre pubblicazioni. L'idea è di presentare i ballerini come sexy, vitali e moderni, in contrasto con l'immagine obsoleta di loro come soffocanti, unidimensionali e antiquati.
Nonostante ciò, il balletto ha ancora dei limiti in questo clima moderno. Come scrive Sarah Keough del Washington Post, “i problemi economici pesano sul balletto come una pietra intorno al collo: stipendi, affitto, costumi, scarpe, assicurazioni, musicisti, magazzino e così via. Il debito è un fattore importante in tutta la programmazione conservatrice là fuori. Ma il problema principale è questo: il balletto soffre di una grave mancanza di fiducia che sta solo diventando sempre più paralizzante ”. Continua dicendo: 'non c'è niente di più noioso di un'arte sicura e carina. Niente sembra meno rilevante. Il balletto ha bisogno di pensare in grande. Sì, i soldi sono stretti, ma il balletto qui si è messo nei guai aspirando al prestigio di un teatro d'opera senza i budget più stabili delle sue controparti europee. Per sopravvivere nel futuro, penso che la compagnia di balletto media farebbe meglio a ridimensionare, mirare all'eccitazione, mescolare il piatto - e abbandonare i balletti a figura intera, che è meglio lasciare alle poche operazioni più grandi e ricche ”.
Alexei Ratmansky prova con il New York City Ballet. Foto Paul Kolnik
Tuttavia, non è tutto negativo per gli amanti del balletto. Con coreografi come Twyla Tharp, Christopher Wheeldon e Alexei Ratmansky, tra gli altri, che spingono i confini del balletto e creano opere che fondono l'astrazione con le linee classiche, il balletto rimane una forma d'arte vivente e che respira. Un'evidente omissione dalla valutazione di Homans del balletto moderno è il coreografo americano William Forsythe che ha ribaltato il balletto alla fine del XX secolo e ha sfidato i ballerini tecnicamente e il pubblico intellettualmente.
La gente ci dice che il balletto è essenziale e popolare come sempre. McAllister afferma che il pubblico dell'Australian Ballet cresce ogni anno, con tassi di abbonamento i più alti dall'inizio degli anni '90.
Il maestro di balletto Landestheater Coburg e ballerino internazionale Griffin Doug suggerisce che il polso del balletto è forte in Europa. 'Vedo (il balletto) come l'unica 'arte alta' su cui si può fare affidamento per portare case costanti. Con l'eccezione di musical ben noti, i programmi di danza sono la scommessa normalmente sicura per un intendente di teatro. Le case potrebbero non essere esaurite tutte le sere, ma durante una stagione le serate danzanti vendono più posti a sedere rispetto ad altri spettacoli. Per McAllister, tuttavia, 'non si tratta solo di numeri di posti a sedere (ma) di offrire ai membri del pubblico un'intera esperienza di balletto'.
Come sottolinea Doug, il balletto ha l'importante vantaggio di essere un linguaggio universale che consente a una produzione di attraversare il globo senza le barriere di comunicazione. E come tutti i ballerini possono attestare, un corso di danza classica può essere seguito in qualsiasi lingua in qualsiasi parte del mondo con poca o nessuna confusione. Il linguaggio della danza è lo stesso ovunque tu vada. “Di tutti i generi di performance dal vivo, il balletto è il più adattabile al cambiamento. La danza è facilmente eseguibile in ambienti domestici grandi e piccoli, anche in produzioni improvvisate e accuratamente provate. La danza può essere eseguita con un accompagnamento sinfonico completo, ma è anche accettata dal pubblico con colonne sonore preregistrate. Lungi dall'essere una forma d'arte morente o una forma d'arte da museo, la danza è viva e vegeta. È la più adattabile delle forme d'arte con la più ampia base di pubblico '.
Il balletto stesso è il fondamento di tutte le altre forme di danza. Un ballerino jazz con tecnica classica è il più delle volte superiore a qualcuno senza formazione di balletto, e lo stesso si può dire per i ballerini di teatro musicale, cabaret, tip tap e persino hip hop. Con l'aumento della popolarità della danza grazie alla pletora di spettacoli televisivi, film e filmati che mostrano l'ampio fascino, la diversità e l'abilità dell'arte, il balletto non va da nessuna parte in fretta.
Foto in alto: Aurelie Dupont e Herve Moreau del Balletto dell'Opera di Parigi. Copyright Anne Deniau
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