Dylan Crossman Dans (c) e. Foto di Julie Lemberger. 92ndVia Y, New York, NY.
16 marzo 2019.
La vita nel 2019 sembra piena di cambiamenti, cambiamenti e stimoli: nelle nostre menti, nel modo in cui viaggiamo, in dove lavoriamo, in dove viviamo. Dal punto di vista socio-politico, in tutto il mondo, molti hanno la sensazione che le cose siano semplicemente disancorate e sradicate. Dylan Crossman Dan (s) ce's Mai più (tradotto grossolanamente dal francese come 'mai più') ha invocato lo spostamento e la distruzione di corpi, oggetti e l'intangibile nello spazio per illustrare questo senso di assenza di radici.
Dylan Crossman Dans (c) e. Foto di Julie Lemberger.
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Allo stesso tempo, c'era un radicamento nell ''umanità, con tutta la sua bellezza e oscurità' - in 'amore, dubbio, paura e riconoscimento [delle nostre] differenze' e una 'spinta [ing] contro gli atti quotidiani di violenza 'in mezzo a' disordini politici ', come descritto dal programma. Cominciando a costruire questo senso, alcuni membri del pubblico potrebbero essersi sentiti un po 'turbati nel vedere ballerini già esibirsi sul palco al loro arrivo ('siamo in ritardo?', 'Possiamo parlare ancora?', Potrebbero essersi chiesti alcuni). Eppure il movimento morbido, nervoso eppure così chiaro e intenzionale mi ha fatto sentire, almeno, abbastanza contento.
La geometria precisa all'interno di forme familiari aveva tocchi non convenzionali, come i fianchi sollevati da spalle e piedi a terra ('Bridge Pose' nello yoga) e un braccio che si allungava di lato (lontano dal corpo). I ballerini sono passati da questo a un'asse con un ginocchio piegato e il piede rivolto verso il cielo. Tutto sommato, il movimento era una raccolta di angoli e curve. Non sapevamo tra il pubblico che l'avremmo rivisto.
Alla base di questo movimento per tutto il tempo c'era una colonna sonora che ricordava una tempesta che si stava formando in lontananza (sound design di Jesse Stiles). Abbiamo anche avuto una piccola finestra sul mondo dei ballerini ogni tanto si diceva 'tieni duro!', Ed è quello che hanno fatto, fermandosi dove erano e poi ricominciando di nuovo in pochi respiri quando si diceva 'vai'. Ben presto una violinista (Pauline Kim Harris) iniziò a suonare fuori dal palco, e le luci sul palco si accesero quando le luci della casa si abbassarono. Ok, questo doveva davvero essere l'inizio della performance, ho pensato.
I tre ballerini che avevano ballato continuarono a farlo, quando entrò un quarto ballerino. Si muovevano lentamente, sempre a terra, mentre il quarto ballerino ballava alto e in vari tempi. C'era un netto contrasto qui, tra ciò che ha creato qualcosa di meditativo e ciò che ha creato qualcosa di più teso. Questo contrasto è stato uno strumento, tra molti altri, utilizzato da Crossman, al servizio del significato e dell'umore durante tutto il lavoro.
Inoltre, il movimento aveva evidentemente un eufemismo, l'obiettivo non era l'altezza nei salti e nelle estensioni o il numero di giri nei turni, ma piuttosto il controllo e un impegno. Questo serviva anche significato e stato d'animo. Contribuire a entrambi è stato il modo in cui il violinista entrava e usciva. A un certo punto, le luci si sono accese mentre suonava di lato, e gradualmente si sono alzate anche al centro del palco per rivelare un solista danzante (progetto luci di Davidson Scandrett). Questo sviluppo era in linea con frequenti turni e cambiamenti nel lavoro e con un senso di inaspettato che trasportava.
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Questo ballerino si è presto unito ad altri ballerini sul palco in linea verticale, e tutti hanno ballato una lenta frase di spazzamento e ricerca. Il dramma stava costruendo. La semplicità è rimasta nel movimento, anche se è emerso un movimento più virtuosistico. Tutto si è rivelato positivo, anche se con il progredire di questa sezione la spaziatura e il tempismo all'unisono avrebbero potuto essere più chiari. Questa qualità probabilmente sembrava evidente solo perché questi elementi erano così chiari in quasi tutte le altre parti del lavoro.
Alcuni ballerini sono usciti per lasciare tre ballerini sul palco, che hanno creato un'altra dinamica di contrasto due contro uno, uno si è mosso lentamente mentre gli altri due si sono mossi rapidamente. Crossman ha mostrato la sua propensione a lavorare con un numero di ballerini in questo tipo di modi avvincenti durante tutto il lavoro. La sensazione di spigolosità nel movimento si intensificò, sebbene ci fosse ancora una morbidezza, come in un'iniziazione dai gomiti flessibili. Continuava e si intensificava anche quel senso di spostamento, di insediamento sradicato che si sarebbe verificato, ma solo momentaneamente fino a quando una nuova formazione avrebbe preso forma.
Contribuendo ulteriormente a questa sensazione, in un assolo successivo i riflettori erano al centro della scena, ma il solista ballava al di fuori di esso. Da questa scelta derivava la sensazione di trovarsi nello spazio sbagliato, ma incapace di spostarsi in quello giusto. Anche a portare questo senso di 'qualcosa che non va bene' è stata una sezione di gruppo nell'oscurità quasi totale, un po 'più avanti nel lavoro. Il movimento era straordinariamente bello e abilmente eseguito, ma l'effetto della luce fioca sembrava un po 'esagerato praticamente, era piuttosto difficile da vedere.
Un'altra sezione memorabile subito dopo è stata quella di un ballerino che accumula sedie, spingendo una pila in continua crescita con la testa una per una, ha aggiunto sedie, strisciando verso il palco proprio mentre la pila cresceva. Le semplici sedie impilabili con lo schienale nero erano state disposte in file, sistemate lì una per una da un ballerino. Dopo un avvincente movimento di sezione con unisono e tempismo individuale, il movimento con una circolarità e una costruzione lenta come un ciclone in crescita, è arrivato lo spostamento di quelle sedie vicino alla testa. Tuttavia, qualcosa di formalizzato, ordinato e ordinato non sarebbe rimasto così a lungo.
Dylan Crossman Dans (c) e. Foto di Julie Lemberger.
Anche la musica cambiava frequentemente: da spartiti strumentali più o meno atonali al violinista che suonava dal vivo a spartiti strumentali di nuovo. Tutta la musica era abbastanza drammatica e leggermente inquietante da creare il dramma e quella sensazione non ancorata. Anche con tutto questo spostamento e interruzione, i ballerini erano radicati e forti. La loro qualità di movimento sicura, sfumata ma anche essenziale ha parlato del tema di Crossman di radicarsi nella 'nostra umanità, con tutta la sua bellezza e oscurità'.
Anche i motivi di movimento erano fondamentali, come una svolta in aria con le gambe strettamente schiacciate insieme (torre in aria) e le braccia spalancate, come un elicottero in volo, visto in diversi punti della coreografia. Questi movimenti che riemergono hanno fornito un elemento di uniformità in mezzo a così tanti cambiamenti. Anche il movimento di ritorno dalla sezione di apertura è stato interessante, e stranamente confortante, per vedere - 'Me lo ricordo!' Ho pensato tra me e me, sentendomi sorridere leggermente.
Ciò che è stato meno confortante è stato il finale, un duetto con dueballeriniche sembravacapoeiracon contatto intenzionale aggiunto (in alcuni punti, lotta effettiva). Si separarono, si guardarono l'un l'altro - uno in piedi, l'altro a terra - e le luci si spensero. Questa conclusione mi ha lasciato perplesso senza risoluzione, ma avere una momentanea tregua dai combattimenti implicava un ciclo continuo di violenza e riposo teso? Sembrava anche mancare del dramma accuratamente realizzato che si vede altrove nel pezzo. Come spettatore, volevo che fosse più lungo e più stratificato, per essere più completo e chiaro.
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Tutto sommato, tuttavia, Dylan Crossman Dan (s) ce's Mai più è stata un'esplorazione cogente dell'arte della danza di disgregazione, spostamento e radicamento nella nostra umanità. In un mondo moderno che cerca di disancorarci e di mettere alla prova la nostra umanità ogni giorno, sono grato di vedere questo commento recitare sul palco.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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