Kimberly Marie Olivier e Sean Bennett in 'Swimmer' di Yuri Possokhov. Foto di Erik Tomasson. 4-24 marzo 2021.
Accessibile tramite www.sfballet.org/sf-ballet-home .
Quasi tutti gli artisti di danza hanno l'esperienza di una danza veramente diventando quello che è nella 'settimana tecnologica' - quando le luci, le proiezioni, i costumi e la musica che risuonano attraverso uno spazio di performance danno vita a un'opera. Le scelte di colore e forma possono migliorare il significato e l'esperienza di vedere un'opera, oppure possono portare distrazione e confusione. L'estetica di un'opera di danza può creare un'atmosfera che attiri i membri del pubblico o semplicemente discordante. Balletto di San Francisco Il programma digitale 03, nel suo programma virtuale SF Ballet @ Home, ha illustrato il potere e l'importanza di creare un'atmosfera e un'estetica chiare. Il programma prevedeva due spettacoli pre-COVID, filmati al War Memorial Opera House di San Francisco e un'anteprima del film.
Di Alexei Ratmansky Sinfonia # 9 , che il San Francisco Ballet ha ballato per la prima volta nell'aprile 2014, ha aperto il programma. Virtuosismo e dinamismo hanno riempito l'aria dalla prima nota e dal primo passo. Una robusta partitura strumentale (di Dmitri Shostakovich) ha spinto piccoli salti, estensioni e virate veloci. Era tutto abbastanza neoclassico, ma per svolazzi gestuali jazz - emblematici di un'apertura 'post-postmoderna' all'ispirazione da altre forme di danza. Lo sfondo di un blu sbiadito (di George Tsypin) e di costumi vellutati, in tonalità apparentemente ispirate ai colori di una foresta (da Keso Dekker), avvolgeva un moderno avvolgimento attorno al presente del movimento neoclassico. In un senso balanchiano, anche quando sono emerse le dinamiche sociali, non c'era nessuna narrazione in gioco tranne che per l'unione di musica e movimento.
San Francisco Ballet nella 'Sinfonia n. 9' di Alexei Ratmansky. Foto di Erik Tomasson.
Un drastico cambiamento di tempo, verso qualcosa di molto più adagio e misterioso, ha portato un movimento più radicato, esplorativo piuttosto che turbolento. Un pas de deux in questa sezione ha avuto alzate complesse ma anche momenti di semplice svolta con un chiaro port de bras e una pausa pesante. I membri del corpo si sono lanciati attraverso le ali, ricordando port de bras nuotare nell'aria - che hanno trasformato in passés prima che i loro partner si unissero a loro per un passaggio.
Come la semplice svolta e il port de bras del precedente pas de deux, era un motivo chiaro, che creava un senso di continuità e circolarità. Potrebbe non esserci stata una 'narrazione', di per sé, a portata di mano, eppure i membri del pubblico in generale potevano identificarsi con la sensazione di muoversi con apparente calma e compostezza, rimanendo allo stesso posto ancora qualcosa di non proprio giusto è rimasto. La nostra immaginazione potrebbe creare le nostre narrazioni all'interno di queste strutture. Questa può essere la parte divertente e significativa.
A metà strada le luci si abbassarono e due ballerini (una ballerina e un danzatore) si sciolsero lentamente al suolo fino a stendersi sulla schiena. Uno sfondo di sagome di persone con bandiere rosse era visibile quando le luci si riaccendevano. Non ho compreso appieno questa scelta creativa e ho preferito le possibilità aperte dello sfondo blu sbiadito visto prima nel pezzo.
Poiché le persone nei disegni sembravano adattarsi al modello di persone 'rispettabili e benestanti' nella società, forse era un commento sulla conformità e sul vivere una vita prescritta a te. La sensazione di tornare di nuovo nello stesso posto sarebbe in linea con quel tema. Può anche essere divertente per la nostra immaginazione congetturare possibilità all'interno di scelte creative che non comprendiamo del tutto! Tuttavia, il movimento è rimasto effervescente ed elettrizzante, con eccellenti esibizioni dei migliori artisti del San Francisco Ballet.
L'energia è cresciuta verso la fine, riportando i motivi con un ritmo più veloce e aggiungendo anche nuovi ingredienti al mix. Quando le luci si sono abbassate, il corpo è balzato fuori dal palco e un unico ballerino è rimasto al centro della scena (Wei Wang), saltando in alto e girando velocemente. Essendo una scelta molto intrigante, questo sembrava centrare nuovamente l'attenzione sull'esperienza individuale. Questo finale potrebbe essere interpretato come un'affermazione che è a questo che si riduce: il modo in cui ognuno di noi vive individualmente il mondo. In assenza di analisi più approfondite, è stato tutto piacevole da vivere.
San Francisco Ballet in 'Wooden Dimes'. Foto per gentile concessione del San Francisco Ballet.
Spine di legno era il programma prima mondiale del film . Christopher Dennis è stato produttore esecutivo, Lindsay Gauthier come montatore e Heath Orchard come direttore della fotografia.
Il cast in un punto particolare non sembrava molto numeroso, quindi è ipotizzabile che i ballerini filmati smascherati in 'capsule' (come fanno film e televisione da diversi mesi). L'apertura con le showgirl nel loro camerino, ha avuto una visione chiara e avvincente Atmosfera anni '20 . L'eccitazione e il cameratismo riempivano l'aria. Entrò un uomo (Luke Ingham), che condusse in un appassionato e aggraziato pas de deux con una delle ballerine (Sarah Van Patten), che stava diventando un personaggio centrale.
Il movimento era in gran parte classico, ma le inflessioni jazzistiche rendevano omaggio al contesto a portata di mano. La scena successiva ritrae il personaggio di Ingham apparentemente al lavoro, martellando ed esclamando con il suo corpo. Uomini con scudi da contabile gli giravano intorno, come se eseguissero i suoi ordini - o gli chiedevano qualcosa? Cambiando prospettiva da lì, le showgirl si sono esibite con gioia. Il personaggio di Van Patten si differenziava con strisce nere sul suo vestito bianco mentre tutti gli altri ballerini indossavano tutto bianco (costume design di Emma Kingsbury). Tutte le scene sembravano essere state girate sul palcoscenico di un grande teatro, i confini tra i pezzi di Marley erano visibili. Quella scelta ha portato una sensazione spartana che si è sentita a sostegno del lavoro complessivo (proprietà scenografiche progettate da Alexander V. Nichols, luci progettate da Jim French e Matthew Stoupe).
Il personaggio di Van Patten ha ballato con una coppia misteriosa (Madison Keesler e Nathaniel Ramirez). Seguì un pas de deux di ballerini in rosso e nero, con luci più basse e la partitura che divenne più bassa e più nitida nel tono. Questa coppia sembrava essere allettante il primo uomo che abbiamo incontrato, il primo con cui il nostro personaggio principale aveva ballato, con qualcosa di sinistro. Lo tirarono e manipolarono il suo corpo. I confini tra immaginazione e realtà sembravano completamente sfocati. Un'estetica coesa, abbinata a una coreografia intelligente, ha reso questa narrazione chiara ma anche flessibile e aperta all'interpretazione. La nostra eroina ha ballato di nuovo dopo, il suo vestito questa volta a strisce colorate. Sembrava gioiosa, anche se pensierosa. Qualcosa era cambiato!
Ha ballato con il respiro e l'espansione, un arabesco tenuto per solo mezzo respiro più a lungo che ha il potenziale per emozionare e rinvigorire. Indossando ancora una volta un vestito di molti modelli (cambiando in cui sembrava significare una sorta di transizione), il personaggio di Ingham tornò. Si intrecciavano, condividevano il peso: era questa la redenzione? Ballarono di nuovo insieme con passione e grazia, proprio come facevano prima, ma una nuova risonanza riempì l'aria tra di loro. Le sfide ai legami tra di noi possono dare a quei legami nuove vibrazioni, nel bene e nel male.
Verso la fine tutto tacque e tutto ciò che era udibile era il suono del respiro dell'eroina. Le luci si spensero lentamente. Molti finali di opere di danza sembrano affrettati, senza che il residuo del peso emotivo di ciò che è appena accaduto abbia il tempo di soffermarsi. Non così con questo finale. Coerentemente con la sensazione di un film d'altri tempi, 'The End' balenò sullo schermo. Quel residuo è rimasto in me, insieme a molte domande - con l'arte, spesso più significativo che avere risposte.
Joseph Walsh in 'Swimmer' di Yuri Possokhov. Foto di Erik Tomasson.
Nuotatore , presentato per la prima volta al War Memorial Opera Stage nell'aprile 2015, è stata un'esplorazione visiva con Busby Berkeley-esque immagini surreali. Yuri Possokhov ha coreografato il lavoro. Il design scenico è stato di Alexander V. Nichols e il design video di Kate Duhamel. Dalla giornata lavorativa 9-5 alla ricreazione a bordo piscina, il movimento trasmette rimuginando sull'ufficio, nuotando liberamente e flirtando a bordo piscina.
corpo di John Brotherton
Proiezioni in movimento turbinavano dietro i ballerini per tutto il tempo, qualcosa che si vede molto più spesso nella danza contemporanea che nel balletto. Era una caramella visiva soddisfacente, ma una caramella con un sapore inaspettato che non riesci a collocare del tutto. 'The Swimmer' (Joseph Walsh), nel frattempo, incarnava la libera circolazione attraverso l'acqua e l'aria. Aveva un bel ballon e una musicalità, raggiungendo con l'energia che viaggiava lontano oltre le sue estremità ma anche con un centro di energia chiaro e potente.
Al di là di lui, fiorisce per caratterizzazione e per veicolare un'azione specifica nel corpo ravvivando una base di movimento classica chiara e solida. Una sezione pas de deux, apparentemente in un contesto di incontro per un drink in un bar, sembrava un po 'fuori luogo strutturalmente ma era splendidamente coreografata e ballata. La tensione e la passione erano chiare attraverso le dinamiche push / pull e l'espansività nel movimento.
Una sezione successiva del lavoro, con un grande corpo di danzatori, aveva molteplici possibilità di significato: la turbolenza dell'invecchiamento, una tempesta (all'interno del tema nautico più ampio a portata di mano nel lavoro) o qualcos'altro? Qualunque sia il significato, i sollevamenti atletici e i salti potenti erano esilaranti. 'The Swimmer' si teneva le braccia sul petto, come se stesse tremando, ma ben presto ballava di nuovo in grande e audace. Effetti di luce sbalorditivi lo facevano sembrare come se nuotasse in profondità, giustapponendo le proiezioni di un uomo che nuota tra onde violente.
Il sipario si è abbassato mentre continuava - sicuramente un finale aperto! Si potrebbero immaginare diverse possibilità per ciò che potrebbe accadere dopo, ma ciò che sembrava più significativo con questo lavoro era la possibilità visiva e il puro potere all'interno del corpo umano. Sebbene alcuni aspetti del lavoro non fossero chiari, ciò che ha prodotto è stato un puro piacere per gli occhi e le potenzialità narrative per il cervello da masticare. A volte, l'audace sperimentazione può venire a scapito della chiarezza nel fare arte. L'arte non può andare avanti senza questa audace sperimentazione, così sia, afferma questo recensore. Brava al San Francisco Ballet per aver rischiato e ricordato al pubblico quante possibilità creative ci sono là fuori per la presa - pandemia globale o no.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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