Il Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29 ottobre 2016.
Con la maturità e la raffinatezza arriva la consapevolezza che meno può essere di più. La sottovalutazione può dire più dell'esagerazione. Per quanto riguarda l'arte, implicare piuttosto che raccontare consente al pubblico di riflettere sulle proprie interpretazioni di un'opera. Siamo in un'epoca in cui i social media e la danza televisiva hanno artisti che stupiscono il grande pubblico con imprese atletiche, oltre a tirare le corde del cuore con storie drammatiche. Il programma del Jose Mateo Ballet Theatre, con sede nel Massachusetts Forze impellenti , d'altra parte, mostrava il controllo sul flash e il mistero sull'evidente angoscia.
Il primo pezzo, Mozart provocato , ha iniziato con la tecnica, la messa in scena e le qualità della performance molto classiche. Alcune sezioni potrebbero essere state trapiantate da una lezione di danza classica durante il lavoro al centro. Una scenografia molto geometrica - intrigante, ma pulita e semplice - segnalava un allontanamento dal classicismo. Quelli sono venuti con un tocco jazz in coreografia e formazioni di gruppo inaspettate. Nei trii e nei quartetti iniziali, le ballerine erano tecnicamente impeccabili. Le loro estensioni non erano alle stelle ma controllate e pulite. Tuttavia, le parti all'unisono avrebbero potuto essere più all'unisono.
Con le sezioni tutte maschili, quell'unisono c'era, ma i ballerini hanno forse sacrificato il potere e la firma personale nel loro movimento per raggiungere questo obiettivo? Anche con uno dei due piccoli difetti, la danza era bellissima da guardare. Sembrava supportare un sottotesto di connessioni emotive e attaccamenti tra le righe. Una coppia maschio-femmina ha esplorato i potenziali del romanticismo e una ballerina è uscita dal gruppo per pavoneggiarsi.
Elementi inaspettati del movimento pedonale (più spesso visti nella danza contemporanea), come camminare con il tallone, hanno parlato di rottura con le convenzioni. Era uno sguardo al dialogo mentale dei ballerini durante la lezione di tecnica? Fermarsi all'ovvio e mantenere le cose sottovalutate consentiva tali interpretazioni.
I ballerini hanno mostrato più personalità e carattere nel secondo pezzo, 1796 (2015) . (La musica è stata adattata nel 2015 da una composizione di Mozart del 1796). Sebbene leggermente più chiara, la storia sottostante non era ancora dettata. Formazioni intriganti, come due ballerine insieme al di sopra del palco e un ballerino maschio ciascuna a destra sotto il palco ea sinistra sopra il palco, hanno creato tensione spaziale. Ha parlato di cambiamenti nelle relazioni tra di loro. Ballando con controllo e grazia, non dovevano fare un numero impensabile di giri per trasmettere queste cose. In effetti, un simile lampo avrebbe potuto essere solo una distrazione.
Anche il costume aveva quella qualità effettivamente discreta. Ad esempio, le ballerine erano di varie tonalità di rosa / viola (da magenta a lampone). Questo li ha solidificati come individui parte di un collettivo. Le loro firme di movimento uniche hanno supportato il primo: uno con un portamento toracico molto orgoglioso e un altro con un'energia unica nel gioco di gambe, per esempio.
I diversi colori hanno anche contribuito a distinguerli come caratteri specifici, utili per quando è cresciuto un triangolo amoroso. Successivi passi a due stabilirono che dopo l'infedeltà (o almeno un certo grado di esplorazione della sua possibilità), la donna nella relazione lo scoprì. E non era contento. Alla fine, però, è stato l'uomo che se n'è andato. Questo era un modo nuovo e intrigante di raccontare una storia vecchia, persino banale.
Il terzo e ultimo pezzo, Ancora ed ancora , spostato in una composizione di Philip Glass. La musica sembrava dare il tono a un movimento piuttosto contemporaneo, ma in gran parte era classica. Ciò ha funzionato, tuttavia, con un'intelligente miscela di vocabolario del movimento classico, jazz e contemporaneo. Un palmo flesso verso l'alto attraverso l'altro braccio (che era piegato al gomito e quella mano al cuore), per esempio, è diventato un movimento caratteristico.
I ballerini eseguivano lo stesso movimento in tempi diversi e a modo loro. Ciò supportava l'idea generale che i ballerini fossero in un collettivo coeso, ma ciascuno individuo autonomo. Il pezzo sembrava alimentarsi di una tensione tra questi due modi di essere. Lo sguardo e lo sguardo mirati e ben eseguiti, in particolare, hanno contribuito a mantenere palpabile quella tensione. La messa in scena intelligente ha supportato questi elementi. Un momento sorprendente, ad esempio, è stato con due ballerini che camminavano all'indietro su una diagonale l'uno nell'altro e poi lentamente si guardavano e si giravano l'uno di fronte all'altro. Parlava romanzi, molto più di quanto qualsiasi balzo in alto potrebbe parlare.
Il pezzo è finito come era iniziato, con un unico ballerino sul palco. Ha eseguito quel movimento caratteristico verso il cielo, come se implorasse il cielo. Quell'azione, combinata con le offerte del pezzo in generale, implicava che siamo davvero in una meravigliosa comunità con il prossimo, ma soli nella nostra coscienza unica. È una forza interiore a volte in conflitto con le forze esterne che ci circondano.
Con eufemismo, saggezza e creatività, il Jose Mateo Ballet Theatre ha rappresentato entrambi i tipi di forze come impellenti. Siamo spinti e obbligati quando siamo lasciati a scoprire alcune delle risposte per noi stessi - nell'arte e nella vita. Quindi cresciamo e facciamo crescere le comunità in cui vogliamo vivere.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
Foto (in alto): 'Impelling Forces' di Jose Mateo. Foto di Gary Sloan.
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