KAIROS Dance Theatre in 'OBJECT.'. Foto di Golden Lion Photography. Boston Center for the Arts, Boston, MA.
17 novembre 2019.
La molteplicità del KAIROS Dance Theatre OGGETTO. inizia il più presto possibile, con il titolo l'opera incentrata sulle donne trattate come oggetti (il sostantivo), ma il titolo è pronunciato come verbo (“io oggetto”). Un messaggio potente è implicito in una parola in maiuscolo e un punto: 'Mi oppongo con tutto il cuore all'oggettivazione delle donne'. Una complessità così elegante e presentata in modo accessibile ha caratterizzato il lavoro dall'inizio alla fine. Ci sono voluti attraverso il tempo, atmosfere diverse ed esperienze interne separate delle donne. Il programma non si è trattenuto da cose difficili da illustrare o sperimentare, ma il risultato è stato il potenziale per generare il tipo di emozione profonda necessaria per guidare il cambiamento.
Il lavoro si è aperto con l'intera compagnia - sei ballerini - in una formazione pulita. Indossavano reggiseni bianchi e soffici indumenti intimi, che riflettevano gli indumenti femminili dei tempi antichi. In cima a questi c'erano soffici tutù in azzurro e rosa, tre in rosa e tre in blu (costumi disegnati dal direttore artistico e coreografo Deanna Pellechia, con l'assistenza di Carlos Vilamil e I.J. Chan). È importante sottolineare che per il lavoro a venire, indossavano tacchi alti di vetro trasparente. Cominciarono a ballare, in uno stile un po ''carino'. Eseguivano movimenti robotici che riflettevano qualità simili a bambole, rigidi e controllati. Non hanno mai lasciato cadere i loro sorrisi grandi, dolci e affascinanti. La collaborazione in un idioma di balletto classico faceva riferimento ai ruoli di genere tradizionali e alla tradizione in modo più ampio. Con la colonna sonora che canta la classica canzone 'bacialo e abbraccialo, dimostragli che ci tieni ... e sarai sua', tutto combaciava. Erano donne intrappolate in un'aspettativa patriarcale di bellezza, che esistevano per l'approvazione e il piacere maschile. Questa sezione è stata un precedente importante per dove sarebbe andato il lavoro.
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Anche intrigante è stato l'uso di musica con testi che è un po 'un 'no-no' non scritto nella danza contemporanea, o almeno qualcosa da fare con parsimonia e con estrema cautela. Tuttavia, in molte sezioni del lavoro, Pellechia ha fatto lavorare insieme il movimento contemporaneo e la musica con i testi per ottenere un effetto significativo e potente. I ballerini hanno eseguito quel movimento con sofisticata musicalità, passando alla musica con e senza testi. (Sound Score progettato da Kristin Wagner, anche Rehearsal Director.) Subito dopo quella prima sezione c'era un altro elemento notevole del lavoro complessivo: proiezione su una piccola area e angolo superiore del fondale, il resto oscurato (lighting design di Lynda Rieman ).
La prima di queste immagini proiettate era un annuncio per una macchina ciclostile, una segretaria d'ufficio oh così soddisfatta delle sue prestazioni e oh così conforme alle richieste del suo capo maschio. La colorazione in bianco e nero, così come il suo modo di parlare e di vestire, l'hanno collocata negli anni '50 o all'inizio degli anni '60 (quella che molti ora chiamano l'era dei 'pazzi', riferendosi al dramma di successo della HBO). Il livello di sottomissione al suo capo maschio e il suo comportamento generale erano molto probabilmente scoraggianti per la maggior parte dei membri del pubblico moderno. Tuttavia, come per molte altre sezioni ed elementi dello spettacolo, qualcosa in questo ha affermato che non siamo arrivati così lontano con l'uguaglianza di genere come a volte possiamo pensare. Questo annuncio accennava anche al ruolo del capitalismo nell'oggettivare le donne.
Una sezione seguente ha dimostrato l'oscurità sotto quei grandi sorrisi e quei tutù gonfi. I ballerini indossavano 'maschere del sorriso' agghiaccianti - maschere con grandi sorrisi che coprivano la bocca, fissate saldamente e inamovibili (cinghie avvolte intorno alla nuca). Pellechia ha studiato come le donne con problemi di salute mentale, o semplicemente viste come belligeranti e 'fastidiose', fossero costrette a indossare queste maschere (cose reali del ventesimo secolo). L'illuminazione oscurata ha rafforzato questo cambiamento di atmosfera e umore verso qualcosa di più sinistro.
Una parte di me poteva sentire visceralmente il senso letterale e metaforico di costrizione che un tale aggeggio potrebbe portare (sentire la propria voce messa a tacere e in un impedimento fisico molto letterale a una respirazione completa e sana). Il movimento rifletteva anche quella sensazione di costrizione: tesa, allegra e inquieta. Era quasi come se una forza esterna li stesse muovendo, piuttosto che muoversi di loro spontanea volontà.
Nelle sezioni successive, è entrato un altro elemento degno di nota: il modo in cui le donne stesse perpetuano quel senso di costrizione guardandosi l'un l'altra. Un trio aveva altri due ballerini seduti ai margini del palco, di fronte a quelli che ballavano. Più tardi, Wagner ha ballato un memorabile assolo di movimento impegnato, tecnicamente esperto e ricco di sfumature. Uno spazio emotivo complesso e tempestoso, così come la sensazione di non essere in grado di accontentare (e certamente non per mancanza di tentativi), sembrava chiaro.
In questa sezione, ancora più ballerini l'hanno affrontata dal bordo del palco, fissandola attentamente. Potevo quasi sentire le parole crudeli che le donne possono chiamarsi a vicenda, comprese le accuse di pudore o promiscuità (di nuovo, quella sensazione di non essere in grado di piacere), che echeggiavano nella mia testa. Eppure ho anche pensato che questo potrebbe essere un testimone, un riconoscimento della lotta di una donna - o forse anche di entrambi? Tale può essere la complessità del modo in cui le donne interagiscono tra loro, che queste scelte creative hanno sondato e rappresentato in modo convincente.
All'interno di queste sezioni, Pellechia ha utilizzato in modo efficace motivi di movimento, offrendo ai membri del pubblico pezzi fondamentali a cui attaccarsi (un'analogia: cabarettisti / comici che invocano battute precedenti nel loro set). Un effetto secondario di questo approccio, attraverso una sensazione di continuità, è stato il rafforzamento del messaggio che le cose non sono cambiate tanto quanto a volte ci piacerebbe pensare che siano. Questo movimento era poliedrico, allettante e avvincente teatrale. Wagner ha offerto molti di loro nel suo memorabile assolo - aprendo le gambe larghe e poi rompendole insieme, piegando all'indietro e portando i gomiti mentre le sue mani si allungavano, afferrando la sua coda di cavallo e (agghiacciante) sollevando la sua testa più in alto.
In precedenza, prima dell'intervallo, Pellechia ha ballato un altro assolo memorabile, memorabile per la sua unicità all'interno dell'opera: il movimento ha più facilità e continuità di gran parte del movimento altrove. Mentre scendeva a terra, un energico ascensore le faceva ancora passare la sommità della testa. 'Perché non posso essere convenzionale?', Cantava lo spartito mentre ballava. Ho trovato queste parole interessanti insieme a quell'unicità del suo movimento all'interno dell'opera.
Verso la fine è arrivata una sezione dei ballerini che indossava un tacco: camminava in modo irregolare e, in modo impressionante, calciava, affondava, poi ruotava a forma di 'x' sul terreno. Quel passo irregolare ha creato un elemento uditivo convincente. A un livello più ampio, la sezione ha sottolineato la sensazione di disuguaglianza e sbilanciamento che le donne possono provare attraversando così tante linee sottili di appropriatezza e aspettativa (tornando a quella sensazione di non essere mai in grado di farlo bene).
Di seguito è stata seguita una sezione che sembrava in grado di strappare le viscere delle donne (o degli uomini empatici) tra il pubblico soprattutto, più di ogni altra cosa fino a quel momento sulla voce fuori campo del (ora) presidente Donald Trump su quel famigerato autobus di Access Hollywood. suonò per tutto il teatro. Mentre si muovono, ancora tesi ea disagio, i ballerini mettono le mani sullo stomaco, come se si sentissero male. A quelle parole indimenticabili, pronunciate anni e anni fa (ma che ancora risuonano nella nostra cultura in così tanti modi), anch'io mi sentii disgustato.
Poi è arrivata la voce di una donna che discuteva dell'oggettivazione provocando danni significativi alle menti e ai corpi delle donne. I ballerini iniziarono a buttare giù i tacchi di vetro, lanciandoli ancora e ancora con rabbia. Altre scarpe sono salite sul palco e hanno lanciato anche quelle. In un altro segno della natura stratificata e sfumata di questo spettacolo, la scarpetta di vetro collegata alla storia di Cenerentola. Il racconto culturale da cui deriva l'amato film Disney arriva dalla Cina, dove la venerazione dei piccoli piedi ha portato alla tortuosa legatura dei piedi per migliaia e migliaia di giovani donne nel corso dei secoli.
La copertina del programma includeva una citazione di Maureen Johnson sull ''opposizione' all' 'oggettivazione' delle donne (di nuovo a quel meraviglioso doppio significato nel titolo). Così, i tacchi sono diventati un simbolo di oggettivazione e il rifiuto dei tacchi - con forza così - è diventato un simbolo di rifiuto dell'oggettivazione. Mentre lanciavano i tacchi di vetro, i membri del pubblico applaudirono. Quel simbolismo sembrava chiaro per molti presenti quella sera, anche se inconsciamente.
Poi è arrivato un finale non così chiaro, ma anche apparentemente maturo con il potenziale per un significato sfumato. Una ballerina camminava a quattro zampe mentre altre ballerine le caricavano la schiena con quelle scarpette di vetro: con attenzione, lentamente, una per una. Il carico sulla sua schiena cresceva e cresceva. Ero perplesso se questo si riferisse al 'femminismo bianco', o alle donne bianche che difendevano se stesse e non alle donne di colore - e così facendo imposero loro dei pesi? Questa ballerina è una donna asiatica, ma lo sono anche altre ballerine che le stavano mettendo i tacchi sulla schiena.
Le luci si abbassarono mentre camminava su mani e ginocchia, con la schiena incredibilmente piena di tacchi (ero sinceramente impressionato dal fatto che non fossero caduti tutti). Anche se questo finale non mi sembrava chiaro, mi sembrava anche che ci fosse un significato potente e perspicace che mi sfuggiva. Date le abili sfumature del resto dello spettacolo, questo avrebbe solo più senso. Anche se mi sento come se potessi scrivere una dissertazione su questo lavoro poliedrico, perspicace, creato e presentato abilmente, concluderò questa recensione con gratitudine verso KAIROS Dance Theatre e tutti gli artisti coinvolti. Grazie per far luce su questo tema senza tempo - con coraggio, abilità e generosità.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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