Proprietario Di Dance Studio

Molly Hess. Foto per gentile concessione di Hess.

Creatività: è certamente una parola carica, con molti possibili significati. Molti settori nel mondo moderno hanno iniziato a comprendere la sua parte essenziale nell'innovazione e nel portare avanti una missione, andando così oltre le arti. Nelle arti stesse, le forze della concorrenza negativa e le risorse limitate possono ostacolare la creatività aperta che è così necessaria per far avanzare l'arte.

La danza non è certamente immune, in quanto forma d'arte probabilmente la meno compresa e supportata dalla più ampia cultura moderna. La danza cresce e prospera (o non riesce a farlo) nelle comunità e nelle culture all'interno di studi di danza, collettivi, spazi per spettacoli e simili.

Come creiamo e manteniamo culture creative? Perché è così importante in primo luogo? Per sondare queste domande,Dance Informaha parlato con Peter DiMuro (Direttore esecutivo presso The Dance Complex, Cambridge, MA, e Resident Choreographer all'Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, MA), Molly Hess (Direttore della programmazione e dell'istruzione presso Green Street Studios, Cambridge, MA) e Julia Amaral (Teaching Artist presso Center Stage Dance Studio, Plymouth, MA).

Peter DiMuro.

Per aiutare qualcosa a crescere e prosperare, è utile avere una comprensione sfumata di cosa sia. E allora è creatività? DiMuro crede che sia qualcosa da illuminare, piuttosto che insegnare. Ciò che è più interessante per lui è la creatività nel superare i vincoli. 'Quando nella vita non hai vincoli?' chiede retoricamente.

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Hess vede la creatività come un processo connesso con 'la curiosità e il gioco .... spesso iniziare [ing] con un' cosa succede se 'e poi prendere il pensiero / domanda / immagine, qualunque esso sia, e trovare un modo per manifestarlo in qualcosa in il mondo, attraverso qualsiasi mezzo. ' Più specificamente per quanto riguarda la danza, per Amaral, la creatività è la 'capacità di prendere pensieri, idee e sentimenti astratti / subconsci e trasformarli in movimenti tangibili'.

DiMuro crede che una cultura creativa sia aperta alla risoluzione creativa dei problemi. Ad esempio, fa riferimento a ciò che è accaduto nel mondo della danza del 2008: molte compagnie sono fallite e questo 'ha costretto [il mondo della danza] a creare nuovi modelli'. La creatività deriva anche dal rimanere in sintonia con le sfumature della nostra narrazione: cosa, a chi e quando. 'Dovremmo considerare l'intera cosa come un ecosistema', afferma DiMuro.

In questo ecosistema, sosteniamo e valorizziamo i contributi di una varietà di creatori, e non solo quelli che tradizionalmente 'mettiamo su piedistallo', spiega. DiMuro fa riferimento alla ricerca che dimostra che l'applicazione delle risorse artistiche assegnate alle organizzazioni locali e ai singoli artisti può contribuire al benessere del più ampio ecosistema artistico. Cita Consiglio culturale di massa come organizzazione che lo fa bene.

Molly Hess. Foto per gentile concessione di Hess.

Hess pensa che le persone “presentandosi” il più possibile, “con una mente aperta e una sincera curiosità”, aiuti a promuovere le culture creative. Spiega come quando guarda spettacoli o prendi lezioni, vuole che gli artisti 'facciano bene, e io cerco di capire da dove provengono e cerco di andare'. Aggiunge come 'questo non significa che debba piacermi, ma sarò in grado di vedere cosa funziona al suo interno'. Ciò è in linea con il punto di vista di DiMuro sul creare spazio per una varietà di creatori, creazioni e modi di creare.

Hess continua con il modo in cui ammira e rispetta le culture creative con cui si è impegnata in cui 'non ci si aspettava che i miei progressi fossero lineari o che il mio lavoro artistico dovesse apparire uguale ad altre persone ... [dove] apprezzano il rigore e giocano quasi allo stesso modo, e dove siamo tutti lì per dare ciò che possiamo dare e ricevere tutta la conoscenza che possiamo '.

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In questo spirito di accoglienza, cita programmi che supportano la crescita della cultura creativa perché 'invitano chiunque a mostrare il lavoro e incoraggiano il pubblico ad avvicinarsi alla visione con una mente aperta'. Sono anche 'gratuiti o molto economici, quindi sono anche un buon posto per prendere un'ora, correre un rischio e vedere qualcosa che altrimenti non potresti vedere', dice.

Amaral crede che “ballare prima di tutto per noi stessi , e per il puro amore di essa ”contribuisce a sane culture creative della danza. Lavorare duramente sulla tecnica, ma non avere quello 'fine per tutto' fa parte di quello spirito del fare-per-amore-di-esso. Descrivendo lo studio in cui è cresciuta ballando, che crede abbia quell'atteggiamento, condivide come “ci è stato insegnato che la danza [riguarda] la passione e l'espressione di sé e può essere usata come sfogo per tutto nella vita. Le nostre routine di competizione avrebbero potuto essere facilmente inserite in spettacoli di danza da concerto, perché non abbiamo mai cercato di assimilarci ad altri studi. La creatività e i concetti sono sempre stati al primo posto '.

Tutto considerato, cosa non è salutare per le culture creative? Hess crede che essere riservato, isolato dagli altri artisti e concentrarsi sulle differenze su un terreno comune non sia positivo per le culture creative. Sottolinea DiMuro L'attuale clima socio-politico dell'America come soffocante per la creatività. Amaral pensa che 'l'insicurezza e l'autocoscienza' soffocino enormemente la creatività.

Julia Amaral. Foto di Emily Santangelo.

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'Nel momento in cui dubiti del tuo lavoro o sei preoccupato di come verrà percepito, la creatività passa in secondo piano, [perché] istintivamente inizierai a coreografare cose sicure che sai che le persone già accettano', afferma, aggiungendo che puoi Non 'mettiti in gioco se dubiti del tuo lavoro'. Ciò considerato, insegnare ad artisti, amministratori e altri in posizioni di potere nelle comunità creative dovrebbe fare il possibile per costruire la fiducia degli artisti in crescita e un sano senso di sé, piuttosto che abbattere quelle cose dentro di loro in alcun modo.

Amaral crede che tutto ciò sia vero attraverso le forme d'arte, e non solo nella danza. “Non importa che tipo di arte o mezzo, per me, la creatività riguarda davvero un forte senso di sé. Quando davvero non ti interessa quello che pensano gli altri, allora puoi essere il tuo sé più autentico e creativo. Ed è una bella sensazione! ' lei afferma.

Hess pensa che sia un po 'più impegnativo per gli artisti di danza, tuttavia.Essendo coinvolta anche nel mondo della musica rock, può dire che ballerini e coreografi hanno bisogno di spazio per le prove e le esibizioni di cui gli altri artisti non hanno necessariamente bisogno. Inoltre, gli artisti della danza non possono esibirsi in un bar come fanno i musicisti rock. In generale, gli artisti della danza hanno una gamma un po 'più limitata di contesti di performance facili ed economici.

È innegabile che l'ecosistema della danza abbia sfide apprezzabili. Questi approcci ponderati, creativi e di mentalità aperta, oltre a nutrire la voce creativa dei singoli attori all'interno delle culture separate dell'ecosistema della danza, possono mantenere viva e vegeta la creatività all'interno di quelle culture e l'ecosistema complessivo. Avanti balliamo!

Di Kathryn Boland di La danza informa.