Boston Ballet nelle 'Variazioni di Donizetti' di George Balanchine. Foto di Rosalie O'Connor, per gentile concessione del Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23 marzo 2017.
'Tutto è lecito in amore e in guerra', dicono. Si potrebbe aggiungere arte a questo, il che significa che, se ben fatti e intenzionali, tutti gli approcci artistici possono avere valore. Date le infinite possibilità del corpo umano e la sua fusione con altri mezzi artistici, questo è particolarmente vero per la danza. Alcune compagnie di danza mostrano la versatilità e il modo mirato di lavorare che può consentire loro di offrire lavoro con qualsiasi approccio artistico, con grazia e stile. Con Ali di cera , Boston Ballet ha dimostrato ancora una volta di essere una di queste società.
Boston Ballet nelle 'Variazioni di Donizetti' di George Balanchine. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Il primo dei tre lavori in programma è stato Variazioni Donizetti, una rimessa in scena di George Balanchine in stile piuttosto classico. L'estetica visiva dei costumi celesti, bianchi e rosa (per le ballerine) e uno sfondo celeste abbinato hanno creato una base armoniosa e piacevole per la danza a venire (costumi per gentile concessione del Miami City Ballet). Casting di tre ballerini maschi e sei ballerine consentivano formazioni ordinate di triangoli, linee di coppie e altre esplorazioni numeriche. I frequenti cambiamenti in quelle formazioni, così come il tempo, hanno portato intrigo e un senso di divertimento a questa qualità ordinata.
Caratteristica delle opere di Balanchine,allegroera una velocità vertiginosa. In piùadagiosezioni, linee ed estensioni erano fluide e pulsanti di energia. Una sezione contenente entrambe queste qualità presentava una delle tre coppie in cui la prima ballerina si è trasformata, ha offerto unarabescoependentee le altre due coppie la seguirono. Anche caratteristici delle opere di Balanchine erano i momenti ironici che alludevano a tendenze postmoderne come la meta-analisi (arte che commenta se stessa) - inclusa quella di una ballerina che apparentemente si picchiava un dito del piede, controllandola.puntoscarpa e tornare al suo posto in formazione. Un'opera piuttosto classica nel complesso, ma i momenti più moderni sono stati certamente un gioco leale, e hanno aggiunto alla gioia che il pezzo offriva.
Il seguente lavoro è stato l'omonimo del programma,Jirí Kylián'S Ali di cera. A catturare immediatamente lo sguardo fu un albero capovolto, i suoi numerosi rami spogli. La scarsa illuminazione e i costumi neri hanno contribuito a una qualità spartana ridotta al minimo. Un faro vagante che volteggiava in alto contribuiva al mistero generale. A volte, i ballerini si avvicinavano molto ai rami più bassi dell'albero sospeso e le allusioni alla storia di Icaro e delle sue ali che si scioglievano erano abbastanza chiare. Eppure quelle allusioni erano più stratificate e sfumate di un semplice riferimento, forse una rielaborazione del vecchio racconto per le complessità del mondo moderno.
Boston Ballet in 'Wings of Wax' di Jirí Kylián. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Parte di quella rielaborazione erano riferimenti alle qualità delle interazioni umane. I ballerini condividevano e si resistevano l'un l'altro al peso, manipolando abilmente le spinte delle forze cinetiche. Le coppie con i polsi incrociati avevano un ballerino che apparentemente pattinava su Marley in un plié basso e succoso, per esempio. C'era sia un'attrazione che una resistenza dell'altro. A parte qualsiasi commento sociale, questo uso del peso e della gravità era bello da vedere. C'erano altre frasi così meravigliose che avrebbero potuto offrire un potente commento sociale, ma sono piuttosto preziose a parte questo.
Uno di questi momenti è stato con un gruppo di ballerini che camminavano lentamente sul posto mentre un altro ballava in modo atletico e veloce davanti e intorno a loro. Spesso ci muoviamo a velocità diverse ea volte ci perdiamo. Ma, inevitabilmente, condividiamo lo spazio e il tempo. Eppure questa sezione era davvero qualcosa da sperimentare senza una simile interpretazione. Il lavoro si è concluso in modo simile, con una coppia maschio-femmina che si avvolgeva l'una sull'altra dal petto alla testa, piegandosi e poi rilasciandosi per cambiare lato. Continuarono ad alternare i lati con quel movimento mentre calava il sipario. È stato un finale affascinante per l'esperienza, e anche potenzialmente ricco di significato sulla natura ciclica delle nostre vite e delle relazioni al loro interno. Il pezzo ci ha portato nel regno postmoderno di quanto il primo abbia osato avventurarsi. Eppure ogni opera offriva qualcosa di speciale.
Il terzo e ultimo lavoro in programma, quello di Alexander Ekman Cactus , era ancora più postmoderno. Il focus meta-analitico era evidente sin dall'inizio, con commenti sul modo in cui le forze artistiche classiche e contemporanee tendono a scontrarsi ma possono poi riconciliarsi attraverso il compromesso e la collaborazione. I musicisti emersero dall'ombra mentre i ballerini si alzavano, muovendosi con intriganti e non convenzionaliport de brasmodelli. La nebbia si alzava dalle ombre e su verso le luci soffuse (progetto luci di Tom Visser). Questa atmosfera misteriosa era gioiosa ed energica, piuttosto che tormentata dall'angoscia. Le percussioni del corpo e del pavimento, ad esempio, hanno contribuito a un ritmo accattivante. Le frasi di movimento estremamente atletiche erano altrettanto accattivanti.
Altri momenti del tableau offrivano un contrasto convincente a quel movimento frenetico e atletico. Un momento pittoresco, ad esempio, è stato quello in cui tutti i ballerini si inginocchiavano, allungando un braccio all'altezza delle spalle mentre tutti guardavano in quella direzione. Il livello generale nello spazio saliva quando i ballerini sollevavano le loro assi bianche, per abbassarle e rialzarle di nuovo. Altre imprese atletiche hanno abbellito il palco mentre i ballerini balzavano in piedi e scomparivano dietro le loro assi. Il significato si è approfondito quando la narrazione è ricominciata, l'oratore ha identificato queste assi bianche come 'piedistalli d'avorio' e ha fatto riferimento a come gli artisti hanno vissuto e si sono nascosti dietro questi piedistalli.
Boston Ballet in 'Cacti' di Alexander Ekman. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Con la tensione razziale in America degli ultimi tempi, non si può fare a meno di assorbire questo è un commento su come le arti - nell'accesso alla loro creazione, istruzione e spettatori - fanno parte di quel dialogo necessario sulla razza. Eppure tutto è evitato di essere troppo inebrianti, seri o di proselitismo. 'Sono i cactus', ha affermato il narratore, con molte possibili interpretazioni, sì, ma solo inaspettate e apparentemente senza senso abbastanza da far ridere i membri del pubblico. A parte questo, la bellezza dei ballerini che camminano lentamente - come in una meditazione camminata, in condizioni di scarsa illuminazione - era mozzafiato. I ballerini hanno quindi utilizzato i loro 'piedistalli d'avorio' per creare quella che sembrava la facciata di un edificio. Corsa come costruzione? Quindi si può supporre.
Eppure tutto è rimasto abbastanza spensierato da non far precipitare i membri del pubblico in una discussione sulla razza. La chiave di quella leggerezza era un duetto con due ballerini apparentemente in prova, più la narrazione fuori campo offriva il loro dialogo ironico mentre lavoravano su alcune frasi di movimento. I due ballerini resistettero e si piegarono l'uno nell'altro con naturalezza come camminare. Il loro conforto nella loro collaborazione probabilmente ha aiutato il pubblico a sentirsi completamente a suo agio, abbastanza a suo agio da ridere. Dal divertimento, allo stupore, alla curiosità, al pensiero più profondo, l'arte può offrire tutto. E il Boston Ballet è una compagnia che ha l'apertura e il comando artistico per esplorare tutte queste possibilità. È tutto un gioco leale.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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