Spazio verde, Queens, New York.
8 febbraio 2020.
A volte l'arte giustapposta ad altra arte può rivelare ciò che tutta quell'arte è davvero il contrasto può evidenziare e sottolineare. Questo è ciò che mi è venuto in mente dopo aver visto il disegno di legge diviso di Annalee Traylor Dance e Project 44. Sebbene entrambe le opere rientrassero in un idioma artistico postmoderno, gli approcci e le qualità all'interno dei due lavori divergevano. Per me, questi contrasti erano intriganti e illuminanti piuttosto che discordanti. Mi ha ricordato quante strade valide ci sono per viaggiare nell'arte della danza.
biografia di naomi lowde
Il programma si è aperto con Corri ragazzo corri , una metafora estesa audace e chiara in movimento. Gierre J. Godley, direttore di Project 44, ha eseguito e coreografato il lavoro. Indossava una semplice camicia bianca e pantaloncini più scuri, che si adattavano a un'estetica di ricambio: luci soffuse, una colonna sonora atmosferica ma scarna (di Gil Scott Heron). Una lampada brillava dall'altra parte del palco. Godley corse sul posto, a volte rallentando ma presto si mosse di nuovo rapidamente. Il testo della partitura parlava di frasi come 'dare loro una corsa per i loro soldi', sottolineando il luogo della locomozione nella nostra lingua. Ho anche pensato di continuare a correre nella vita, di dover sforzarmi instancabilmente solo per sopravvivere in questo clima culturale. I testi indicavano anche le disparità razziali, e mi è stato ricordato come quello stato di corsa costante è tanto più vero per le persone di colore e altri popoli sistematicamente oppressi.
Una seconda sezione ha introdotto movimenti e gesti più tecnici, dentro e sopra il pavimento. Godley ha offerto una stabilità assicurata, una qualità senza pretese anche mentre si muoveva con comando tecnico e sfumature. Per finire, ha spento la lampada e si sono spente anche le luci del palco. Questa azione segnalava l'autodeterminazione: non importa come doveva continuare a correre, alcune cose fondamentali rimanevano sotto il suo controllo. Anche questa scelta creativa per un finale sembrava soddisfacente, un pacchetto ben avvolto e legato.
In seguito è arrivata quella di Traylor la lucentezza. Tre donne si muovevano in modo un po 'robotico, quasi come una bambola, ma ancora con una fluidità nelle transizioni che le impediva di essere sgradevolmente rigida. Il gesto si fonde in modo fluido con un movimento più codificato per tenermi incuriosito e soddisfatto. Mi chiedevo se queste fossero donne che cercavano di sottrarsi a ciò che le teneva in quella qualità da bambola - un mistero che mi ha attirato dentro. Due uomini sono entrati e sono seguite opportunità di collaborazione creativa.
Il movimento della locomotiva ha portato i ballerini attraverso varie formazioni geometriche e immagini in movimento attraverso lo spazio - quel disagio rigido e fluidità armoniosa che ancora si fondono. Ha ritratto un sistema di queste persone insieme nella coesistenza, come uomini e donne - un microcosmo del mondo. Un messaggio femminista era certamente qui per discernere, ma era sottile e sfumato. Queste qualità sono in contrasto con il messaggio più esplicito del pezzo precedente, che utilizzava anche effetti atmosferici e tecnici più del movimento e della messa in scena per parlare di significato. Nessuno dei due approcci era sbagliato o giusto, decisamente più o meno efficace: erano solo diversi.
Traylor's il blvd è venuto subito prima dell'intervallo e ha mostrato molte delle stesse qualità. Era piuttosto classico nel movimento ma innovativo e audace in altri elementi estetici, lo spazio tra questi elementi maggiore rispetto a la lucentezza . I costumi neri con tagli eleganti hanno portato un tocco moderno e pulito. La scarsa illuminazione in semplici grigi e gialli ha aggiunto a quell'estetica moderna e pulita.
La partnership creativa, come in quel pezzo precedente, ha attirato la mia attenzione e ha parlato di connessioni e divisioni tra i motori. Un penchee aveva il partner di una ballerina che girava rapidamente la sua gamba estesa in un piccolo cerchio. Quindi alzarsi e piegarsi all'indietro hanno portato il movimento su nuovi piani e qualità. Questa partnership, oltre a entrare e uscire da diverse formazioni, ha creato una tensione ma anche un magnetismo tra le persone sul palco, come può essere nella vita. Tale tensione e magnetismo sono evidenti in 'the blvd', spazi pubblici in cui si svolgono storie private. Il finale ha consolidato questa sensazione, come un'immagine finale memorabile, un abbraccio comunque con evidente agitazione.
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Dopo l'intervallo è arrivato Prima di parlare da Flavien Esmieu e interpretato da Godley, Alex Clauss e Peter Cheng. Il programma ha condiviso il modo in cui il lavoro 'è stato sviluppato in parte attraverso In Good Company, Emerging Choreographer Initiative del Progetto 44'. Vari assoli e duetti offrivano movimento inventivo, teatrale e gestuale abbastanza da costruire personaggi chiari. Indossavano costumi unici, abiti da strada apparentemente scelti almeno in parte per mostrare e abbracciare l'individualità.
L'illuminazione era bassa, oscura e misteriosa. La colonna sonora originale, ATMO di Giulio Donat e Simone Donati, ha contribuito a costruire questa atmosfera oscura e misteriosa - leggermente atonale, ricercata e stratificata. Il movimento mescolava vocabolari contemporanei e hip-hop, costruendo ancora una volta l'individualità del carattere. Attraverso la spaziatura, le formazioni e le qualità, Esmieu ha compensato e armonizzato questi tre personaggi individuali in modi che parlavano di unirsi e separarsi come esseri umani insieme in uno spazio.
Come per il brano di apertura, esteticamente e cinesteticamente, sembrava diverso dalle opere di Traylor. Entrambi erano forti e convincenti a modo loro. Tutto ciò ha sottolineato come ci siano molte strade chiare e valide su cui viaggiare nella foresta profonda dell'arte della danza - terreno ancora da scoprire.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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