Tabula Rasa Dance Theatre in 'Inside Our Skins'. Foto di Jared Siskin / PMC. New York Live Arts, New York, NY.
15 maggio 2019.
Fare arte e presentarla a un pubblico significa correre un rischio. Richiede coraggio. Questo è spesso tanto più vero quando il lavoro si concentra su questioni controverse nel mondo e nel discorso pubblico. Gli artisti che presentano tali lavori spesso portano la coscienza, commentando i torti che vedono nel mondo e spingendo a vederli affrontati. Tutte queste considerazioni erano nell'aria al Tabula Rasa Dance Theatre Dentro le nostre pelli , incentrato sull'incarcerazione di massa e su come promuove una storia di ingiustizia socioeconomica e razziale in questa nazione.
La compagnia di danza contemporanea con sede a New York City, con il direttore artistico Felipe Escalante al timone, mira a 'innescare un'esplosione di produttività artistica e risveglio sociale' e 'crede che la coreografia debba suscitare emozioni potenti e talvolta inquietanti'. Dentro le nostre pelli si sentiva pienamente in linea con entrambi questi punti.
Il secondo lavoro della notte, Dentro le nostre pelli - - Per la Signora che persegue la giustizia , era la carne principale dello spettacolo (su cui si concentrerà questa recensione). La prima parte del titolo è derivata da una linea del drammaturgo Tennessee Williams: 'Siamo tutti condannati all'isolamento all'interno delle nostre stesse pelli, a vita'. Si può tradurre approssimativamente la seconda metà del titolo dal latino come 'chi persegue per conto della giustizia'. È il motto del Dipartimento di giustizia all'interno del governo federale. Questo titolo è stratificato e significativo, proprio come vedrei il lavoro.
Il suo inizio è stato piuttosto avvincente: i ballerini si alzavano lentamente da un gruppo e l'illuminazione molto scarsa mi rendeva un po 'perplesso su ciò che stavo vedendo. Mi chiedevo se il tuo spettatore medio potesse rimanere con il ritmo simile alla melassa del movimento, o se la sua mente viaggiasse altrove. Si sviluppò un cerchio interno ed esterno, con un movimento fluido ma appesantito, che evocava il trasporto di una grave difficoltà.
Si udì un suono di sirena quando due ballerini con maschere antigas entrarono e si mossero con gesti misteriosi. Un ballerino si alzò sotto i riflettori mentre gli altri sotto di loro si muovevano in onde increspate attraverso le loro articolazioni. Il ballerino di sopra, innalzato sopra gli altri, aveva un peso nei suoi movimenti. Quella pesantezza del disagio era evidente. In aggiunta a quella sensazione di disagio, i costumi verde / grigio con sfilacciature sfilacciate trasmettevano anche la sensazione di portare qualcosa di pesante (più inventivo di quanto sarebbero state le tute da prigione stereotipate).
Dopo quella sezione, i ballerini si sono alzati più in alto per eseguire un vocabolario di movimento straordinariamente bello in un cerchio, lunghe file dalle gambe che si estendono all'indietro attraverso la parte superiore della testa spostate in una svolta a terra e poi in una più alta. C'era un senso di reclusione forzata e di uniformità in questo movimento e struttura. L'ampia e drammatica colonna sonora classica si adatta bene a quel senso.
Questa sezione in cerchio si è spostata in un'altra di ballerini rivolti all'indietro, e il ciclo è diventato blu. È arrivato un solista, che indossava una tutina bianca (un colore di luce e purezza), muovendosi con più senso di speranza. Eppure c'era una sensazione di controllo e rigore nel suo comportamento e nella qualità del movimento. Era un angelo di cauto ottimismo?
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Una successiva sezione più memorabile è stata quella dei ballerini che si muovevano avanti e indietro nelle loro sezioni di luce, come se attraversassero le sbarre di una prigione. L'immagine scenica creata da questa scelta era fortemente evocativa e concettualmente brillante. Tuttavia la sua efficacia ha cominciato a svanire quando i ballerini si sono allontanati da queste barre di luce, e così sembravano rompere l'idea dell'immagine. Le barre sono scomparse una ad una, molti dei ballerini erano già usciti dalle loro sezioni di luce.
Tabula Rasa Dance Theatre in 'Inside Our Skins'. Foto di Jared Siskin / PMC.
Avrebbe potuto rafforzare maggiormente il significato oscurare le luci una per una, con i ballerini che si muovevano ancora nello spazio in cui erano stati. Le note del programma parlavano di continui traumi mentali causati dall'incarcerazione e l'idea di muoversi allo stesso modo anche senza le sbarre di luce avrebbe forse potuto aiutare a trasmettere quell'idea.
Una sezione successiva apparentemente presentava l'intero cast, passando dagli assoli ai quartetti ai trii - dentro e fuori gruppi diversi. Il movimento era pieno di gesso di maestria tecnica e movimento più deciso. I ballerini iniziarono anche a liberarsi di parti in costume, in particolare i loro top, per rivelare tute color crema. La sezione sembrava lunga, come se fosse incentrata sulla maestria tecnica. La domanda allora diventa qual è l'obiettivo.
Tuttavia, c'erano molte cose visivamente avvincenti qui. Tale interesse visivo è continuato con una sezione di una ballerina sollevata a testa in giù da molti altri ballerini e che pedalava le gambe, che avevano catene e campanelli su di loro. Le ombre caddero dietro il gruppo, danzando ossessivamente sul retro del palco. Questa sezione sembrava anche un po 'lunga per la capacità di attenzione dello spettatore medio, anche se alcuni membri del pubblico avrebbero potuto trovarla bella nella sua qualità meditativa ed estetica.
Prima e dopo questa sezione i ballerini si giravano all'indietro e si muovevano come se si stessero lavando, i gomiti in alto e di lato mentre le loro mani lavoravano. Questi movimenti erano leggermente diversi per ogni ballerino ed erano belli nella loro intricata qualità. Ha portato alla mente il significato di azioni e necessità semplici e quotidiane, qualcosa che diventa esagerato durante e dopo l'incarcerazione.
In un'altra sezione di gruppo successiva a quella sezione, i ballerini iniziarono tutti in una piazza. C'era di nuovo un senso di isolamento e di monotonia. Sono usciti da questa piazza con movimenti più virtuosistici: una festa di alzate, balzi e svolte che avevano un sapore di balletto contemporaneo. Le urla successive sembravano trasmettere le lotte per la malattia mentale. Mi chiedevo se questa idea potesse essere trasmessa attraverso il corpo in un modo che potesse essere più digeribile per un pubblico più ampio.
Anche il contrasto tra il movimento energico ed energico e quelle urla mi colpì. Ho potuto vedere in questo un esempio dell'equilibrio della presenza della speranza nei tempi difficili. Per il finale, tutti si sono mossi in gruppo verso il palco a sinistra, verso una fonte di luce - lentamente, ma non così lentamente da sfidare l'attenzione del pubblico moderno. C'era una splendida continuità nel movimento lento, in un modo adorabile di trasmettere un movimento alla luce e alla speranza.
Un paio di altri elementi nell'esecuzione sono degni di nota. In primo luogo, durante tutto il tempo una persona si è seduta e ha digitato sul suo telefono, a volte 'selfie'. Questa era una rappresentazione astuta di come andiamo avanti con le nostre vite mentre tutte queste ingiustizie all'interno dell'incarcerazione di massa avvengono. Mi chiedevo se questa scelta intelligente avrebbe potuto avere più successo se rispecchiata dall'altra parte del palcoscenico, forse da una persona che si presentava di sesso maschile. In secondo luogo, i biglietti costano sessantatre centesimi, la paga giornaliera media di una persona incarcerata a New York City. Le buste dei biglietti per le donazioni erano in ogni programma e un messaggio dall'altoparlante incoraggiava i membri del pubblico a donare considerando il costo del biglietto molto basso.
Questa è stata una scelta in linea con il coraggio e la convinzione generali nel lavoro, una su una controversa questione sociopolitica Escalante e altri responsabili delle decisioni in azienda confidavano che i membri del pubblico avrebbero apprezzato il lavoro e il suo messaggio abbastanza forte da dare, in totale, abbastanza per coprire i costi di produzione. Confidavano che il loro messaggio avrebbe risuonato, forse anche abbastanza da spingere i membri del pubblico all'azione. Forse è stata la coscienza a spingerli a lavorare su un'ingiustizia che vedono là fuori. Forse c'erano entrambi. Ad ogni modo, sono contento che l'abbiano fatto e di aver potuto sperimentare questo lavoro sfaccettato e coraggioso.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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