Hee Seo in 'Garden Blue' di Jessica Lang. Foto di Rosalie O’Connor. David H. Koch Theatre, New York, NY.
23 ottobre 2019.
Muoversi, amare, mangiare, dormire: ci sono azioni che sono sempre state fondamentali per essere umani. Tuttavia, li facciamo tutti in modi diversi e lo abbiamo fatto nel corso dei secoli. La danza - viscerale, narrativa o non narrativa, adattabile esteticamente all'infinito - può mettere uno specchio a queste esperienze in modo che possiamo fare un passo indietro e vederle veramente. L'American Ballet Theatre (ABT) ha presentato i lavori di tre diversi coreografi in questo programma, tutti esibendo un diverso punto di vista su quegli aspetti fondamentali dell'essere umano, da luoghi diversi sulla linea temporale umana, tutti in movimento. Il risultato è stato esteticamente e concettualmente significativo, sia stimolante che divertente.
James B. Whiteside's New American Romance era pieno di gioia, giocosità e armonia estetica. Whiteside è un preside ABT che inizia a costruire un portfolio coreografico e una voce unica. Il lavoro è stato presentato per la prima volta al Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). C'era qualcosa di abbastanza moderno nella sua sensibilità, ma anche qualcosa di abbastanza classico. L'equilibrio tra i due parlava di andare avanti nel mondo, ma anche di aggrapparsi alle verità fondamentali del mondo e di noi stessi in esso (individualmente e nei rapporti tra loro).
ABT in 'New American Romance' di James B. Whiteside. Foto di Rosalie O’Connor.
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Il sipario si alzò e una tavolozza di colori di lavanda e blu mi fece immediatamente sentire più tranquilla e contemplativa. Il gruppo è cresciuto man mano che i ballerini correvano sul palco, fino a quando non hanno raggiunto una formazione con i ballerini rivolti in avanti e lo sguardo fisso in avanti. Alzarono le braccia in quinta en haut: semplice, chiaro, risoluto. Il gruppo si è sciolto, un pas de deux al centro della scena. Si riproduceva una deliziosa armonia di musica e movimento, come un'elegante estensione di una gamba anteriore in avanti in un sollevamento mentre la nota musicale si scioglieva proprio così.
Altre sezioni andavano e venivano, a volte mi sentivo come se lo avessero fatto un po 'velocemente a volte, a volte indugiare in una sezione un po' più a lungo può consentire alla sua energia di svilupparsi e al pubblico di conoscerla e assaporarla un po 'di più. Tuttavia, questo rapido spostamento ha anche contribuito a costruire il tema e l'energia di illustrare i giovani, irrequieti e vivaci. Canone adorabile a forma di whiteside e contrasto di livelli per ulteriormente quella sensazione dinamica.
Un memorabile trio di ballerine in particolare ha offerto questi elementi, con un mezzo giro - gamba estesa di 45 gradi in alto e in avanti - ballato dai tre su tre conteggi separati, e successivamente una posa piacevole mantenuta per alcuni conteggi con loro in basso, medio, e alti livelli. Il gesto inoltre ha portato un senso di unità, le ballerine si tenevano per mano mentre eseguivano bassi arabeschi di piqué, e insieme incrociavano i polsi tenendo le braccia in quinta en haut.
Anche a costruire in punti diversi c'erano stati d'animo diversi, dalle qualità della musica, dal movimento e dalla teatralità dei ballerini. L'assolo di una ballerina ha offerto un po 'più di coraggio e sfacciataggine di quanto il lavoro avesse offerto in precedenza. Un trio con due danzatrici e una ballerina era più dolce e un po 'più contemplativo. Tre danzatrici sono salite sul palco per mostrare la loro bravura e la loro potente sicurezza. Tutti questi diversi stati d'animo e punti di vista hanno creato una finestra sui diversi modi in cui le persone possono essere dentro di sé e insieme, muovendosi nello spazio. Per finire, un gruppo più ampio assemblato in una forma circolare, evocando il buon funzionamento di un sistema armonioso anche con tutti questi modi di essere individuali e collettivi separati - passato, presente e nel futuro. Sembrava tutto pieno di speranza ed edificante.
Il lavoro di Jessica Lang, Giardino blu , seguito. In molti modi - esteticamente, energeticamente, concettualmente - sembrava un dipinto di Salvador Dalì portato in vita nella danza. Parte di ABT's Women's Mossa ment, un programma per nutrire le coreografie femminili emergenti, il lavoro è stato presentato per la prima volta il 19 ottobre 2018. Ciò che mi ha colpito per la prima volta sono state le forme oblunghe che poggiano sul palco e che volano sopra la testa (scenografia di Sarah Crowner). Qualcosa in questi mi ha parlato degli orologi che si sciolgono nell'opera iconica di Dalì. Lo sfondo in verde, blu e bianco mi parlava della natura.
I ballerini indossavano tute di tutti i colori diversi, aiutando a costruire una tavolozza di colori sfaccettata un arcobaleno ballato sul palco in sezioni di gruppo più grandi con ballerini sparsi su di esso. Si muovevano nello spazio, camminando a velocità diverse. Hanno quindi iniziato a muoversi con una stilizzazione più tecnica - nel vocabolario del movimento classico, ma con spostamenti melty, 'ooyey-gooey' attraverso il busto che ricordano un linguaggio di movimento più contemporaneo.
Vedendo questo movimento, ho pensato ai tratti curvilinei nei dipinti contemporanei. Le forme fuori centro sono state portate da un'asimmetria intrigante. Le estensioni di braccia e gambe colpiscono accenti musicali in modi allettanti. Le braccia colpiscono a metà e fino in fondo insieme alle note musicali. Una ballerina fa girare la sua partner seduta, con le dita dei piedi sollevate, mentre suonava una nota più lunga.
Sia che fossero tutti all'unisono o in piccoli gruppi all'unisono, i ballerini hanno mantenuto il quadro del palco in movimento in modi dinamici.
Parte di questa azione dinamica era anche il modo in cui i ballerini muovevano di tanto in tanto quei pezzi di scena oblunghi, creando una nuova scenografia - e in essa una nuova sensazione visiva ed energetica. Un'altra parte dell'azione dinamica qui era come il tempo e la qualità sarebbero cambiati insieme ai cambiamenti tonali e temporali nella musica.
All'interno di questi cambiamenti, i ballerini hanno iniziato ad assumere personalità e diventare i propri personaggi. Piccoli momenti teatrali iniziarono a svolgersi. Uno di questi ballerini indossava il bianco e altri colori, il che mi ha segnalato un'integrazione delle qualità di questi altri personaggi. Sebbene ci siano stati momenti di tensione che lo hanno portato, il finale ha portato armonia e unità all'interno del gruppo - l'integrazione di questo personaggio si è svolta nel tempo e nello spazio. I parallelismi estetici, energetici ed estetici con il lavoro di Dalì hanno legato il lavoro a un'era moderna post-guerra mondiale per me, ma alcuni aspetti erano indubbiamente senza tempo. Quella qualità temporalmente specifica, ma fluida, mi sembra essere una qualità di grande specificità artistica che la rende reale, e la fluidità la fa sentire più universalmente applicabile.
Gemma Bond's C'era un tempo ci ha riportato al Medioevo, ma se lo guardassimo attraverso vetri colorati. I costumi erano nei toni della terra, in uno stile medievale ma con tocchi contemporanei. L'illuminazione aveva una sfumatura di tonalità della terra da abbinare, come la luce del tardo pomeriggio in autunno. La partitura di Benjamin Britten riecheggiava i ritmi e i toni che associamo al Medioevo, come l'armonia di un clavicembalo - eppure il modernismo è emerso in certe inflessioni atonali e simili elementi più contemporanei.
obiettivi di balletto
Cassandra Trenary e Cory Stearns in 'A Time There Was' di Gemma Bond. Foto di Rosalie O’Connor.
Come nei due lavori precedenti, i cambiamenti nelle qualità energetiche ed estetiche hanno modellato l'atmosfera e l'umore - con chiarezza e intrigo. Ad esempio, un'apertura drammatica e ampia si dissolse in qualcosa di più morbido come la sensazione di una sequenza di raggruppamenti più piccoli. I personaggi hanno iniziato a svilupparsi attraverso momenti teatrali, anche come nel lavoro precedente. I gesti hanno contribuito a creare questi momenti, mentre i movimenti più tecnicamente 'grandi' e tradizionali - come gli ampi ascensori che rotolano dolcemente sul pavimento o che atterrano in un arabesco meravigliosamente sollevato - hanno mantenuto l'energia dinamica e l'intrigo visivo.
Eppure ho trovato questo lavoro che risuonava con me meno dei due lavori precedenti. Forse la specificità temporale in realtà ha sminuito la mia esperienza al riguardo, abbastanza stranamente forse la mia mente si è divertita a riempire gli spazi vuoti piuttosto che dare il testo completo. È interessante notare che il finale di Bond sembrava offrire il tempo per una tale contemplazione sulla propria interpretazione personale dai ballerini usciti, uno per uno, ma il palco è rimasto illuminato e il sipario è calato.
Con che cosa potrebbero riempire le nostre menti il palco a quel punto, colorate dalla nostra prospettiva su ciò che era appena accaduto lì? In che modo queste prospettive potrebbero essere correlate a ciò che immaginiamo dei personaggi che abbiamo appena incontrato, e quanto a noi stessi - e alle cose in comune tra i due? La danza nello spazio, nel tempo - passato, presente e futuro - può portarci a una tale riflessione, spesso sulle cose che ci rendono umani. Il programma di ABT di questa sera ha reso questa verità innegabile.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
