Abraham.In.Motion. Foto di Christopher Duggan. Il Joyce Theatre, New York, NY.
15 ottobre 2019.
Abraham.In.Motion (A.I.M.) di Kyle Abraham cerca di 'creare un suggestivo corpus interdisciplinare di lavoro' e di essere 'una rappresentazione di ballerini di varie discipline e diversi background personali'. Il programma della compagnia al Joyce Theatre ha convalidato questi componenti essenziali della sua missione: eclettismo e collaborazione. Entrambi nascono da - e inoltre devono fiorire - un atteggiamento di apertura alla condivisione e alla considerazione di altre prospettive. Un tale spirito e un tale approccio al lavoro sembrano vivi e vegeti in A.I.M., visti questi lavori eclettici fondati su metodi collaborativi.
Grandi anelli , una prima mondiale coreografata da Keerati Jinakunwiphat, ha aperto il programma. Il movimento - in formazione ea livello del corpo - rifletteva quello dei ballerini di basket che si muovevano sul palco gradualmente in file, arrivando in basso e in alto, come se si praticassero dribbling e tiri. Suoni di sfregamento riflettevano le scarpe da ginnastica sul campo. L'illuminazione (di Dan Scully) evocava un gioco o una pratica a tarda notte, drammaticamente bassa e illuminando i ballerini di lato.
Salti e gesti erano basati sul vocabolario contemporaneo e hip hop, ma avevano anche un tocco pedonale. Questa qualità ha umanizzato i ballerini e ha contribuito a convalidare il tema del basket. Sarebbe arrivato un movimento più tecnico, persino una partnership sorprendente, come una ballerina che gira i fianchi per toccare un piede a terra mentre il suo partner teneva l'altro. Anche gli effetti estetici diventerebbero più vari e complessi, come una sezione con i danzatori in controluce - e quindi in silhouette.
Sarebbero arrivate anche sezioni apparentemente improvvisate, mentre il movimento prima di questo nel brano - all'unisono e in gruppi separati che danzavano simultaneamente - sembrava impostato. Jinakunwiphat stava offrendo vari modi in cui un gruppo di ballerini può muoversi su un palco, separatamente e insieme. Tutto ciò ha portato una sensazione di energia dinamica e armonia tra i gruppi. Verso la fine i testi dicevano 'Sto bene', mentre i ballerini si muovevano con un ritmo facile. Il movimento e le formazioni in quest'ultima sezione (e in altre) riflettevano l'opposizione, ma anche così, c'era un sistema funzionale e armonioso all'opera qui. Tutti sembravano in grado di dire sinceramente 'Sto bene'. Il movimento di Jinakunwiphat rifletteva diverse forme di movimento e ispirazioni, eseguite dai versatili ballerini di Abraham: eclettismo e collaborazione in azione.
Mostra Pony , coreografato da Abraham e ballato da Marcella Lewis, è arrivato dopo. Emanava anche una disinvoltura facile, così come l'orgoglio e la fiducia della ballerina nella propria pelle. Lewis indossava una tutina dorata (Costume Design di Fritz Masten), che brillava proprio contro la luce giallo / arancione (Lighting Design di Scully) i colori erano tutti perfettamente contrastati ma anche in qualche modo armoniosamente incontrati. Lewis si muoveva con una specie di sfacciataggine, di basso profilo che sembrava dire che non aveva assolutamente nulla da dimostrare.
Ha piegato le ginocchia, radicandosi in profondità, ma anche molto al di fuori di se stessa con gli arti che si estendono dolcemente. Esplorando diversi livelli, si è mossa attraverso lo spazio in modo assertivo e senza paura. Il gesto che sembrava emulare una marionetta e il gioco di gambe del movimento di un cavallo orgoglioso, hanno favorito il tema del lavoro e il vocabolario dei movimenti hip-hop. Eppure quelle estensioni fluide e le sezioni di movimento a pavimento riflettevano il vocabolario del movimento contemporaneo.
patrimonio netto di mickey gall
Questo lavoro ha dimostrato la capacità di Abraham di fondere perfettamente idiomi di movimento così diversi, un eclettismo esperto e avvincente. A un certo punto mi è venuta in mente la citazione di Doris Humphrey sul fatto che tutti i balli fossero troppo lunghi. Mi chiedevo se il lavoro all'ottanta percento della sua lunghezza avrebbe avuto un impatto maggiore. Le opere come assoli entrano in gioco con questa domanda, credo. Eppure, nel complesso, il lavoro è stato memorabile e piacevole da vivere.
Dopo questo lavoro è arrivato quello di Trisha Brown Solo Olos (rimessa in scena da Cecily Campbell e Stuart Shugg), un lavoro di ingredienti di movimento postmoderno e modellato da processi postmoderni. Per una ventina di silenzio (a parte il loro respiro e il rumore dei piedi), i ballerini abbassavano la testa per farsi seguire dalla colonna vertebrale, passando da seduti a sdraiati. Portarono un gomito in un lato, l'altro braccio li portò a guardare lateralmente con la colonna vertebrale piatta, quel gomito poi portò il suo braccio a unirsi all'altro braccio nel protendersi in avanti - accentuato ma con una morbidezza che gelifica tutti i movimenti insieme. All'inizio ballarono tutto questo all'unisono.
Quindi, tramite l'altoparlante, qualcuno ha dato loro istruzioni come 'inverso' e 'ramo'. Apparentemente c'era quindi un elemento di improvvisazione qui, i ballerini non erano consapevoli di quali istruzioni sarebbero arrivate e quando. Erano straordinariamente impegnati e acuti nonostante questa natura inaspettata di ciò che gli sarebbe stato chiesto di fare in seguito per esperienza personale, posso dire che le alterazioni del movimento come il retrogrado sono abbastanza difficili da avvolgere il cervello e il corpo. In un certo senso, questo è un elemento del virtuosismo di un ballerino postmoderno. SCOPO. i ballerini hanno mostrato la loro versatilità qui, e la compagnia più grande il suo spirito di eclettismo nell'inclusione di un lavoro così sicuramente postmoderno (si può ragionevolmente sostenere che siamo ora in un'era 'post-postmoderna' nella danza e nelle arti più ampie) . Per finire, la voce dell'altoparlante ha detto 'continueremo'. Sembrava una finestra sulla realtà di un artista di danza, su come lavora molto, molto più a lungo su un'opera di quanto non duri nel tempo.
Studi su un addio è stata una collaborazione coreografica tra Abraham e la sua compagnia di ballerini. Come spesso accade quando i coreografi lavorano in questo modo (e quindi, un vantaggio nel farlo), il movimento sembrava riflettere i punti di forza dei ballerini e gli stili di movimento individuali. Vari raggruppamenti di ballerini che si dissolvono in modi diversi, ancora e ancora in un'opera, riflettono la pletora di stati d'animo ed energie che gli addii possono riflettere - tutti con una sorta di tensione o tristezza, tuttavia queste situazioni sono raramente facili o piacevoli. Il finale è stato particolarmente potente: un ballerino stava da solo sul palco, guardando lo spazio. Questa domanda è emersa per me: cosa rimane dopo un addio, dentro e intorno a se stessi?
Bozzolo , coreografato e ballato da Abraham, ha richiesto una collaborazione di danza e canto dal vivo. Le sfumature nel suo movimento si allineavano con le sfumature nell'armonia vocale multiparte. Evidente in tutto - e specialmente nella qualità del movimento radicata, ma in qualche modo anche aspirazionale e piena di speranza di Abramo - era un'anima e una generosità di spirito. Questi strati all'interno della loro offerta creativa, e nella creatività stessa, sembravano una sorta di 'bozzolo' - che li avvolgeva, li proteggeva attraverso l'auto-trasformazione e la crescita. Questi artisti che si esibivano insieme, eccellendo nelle loro forme d'arte separate, sembravano rendere possibile questo 'bozzolo'.
Finire la serata è stato Cenere , ballato da Misty Copeland e coreografato da Abraham in collaborazione con Copeland. Non mi aspettavo di vedere l'icona del balletto che è Copeland ballare quella notte. Il lavoro esemplificava sia la collaborazione che l'eclettismo, attraverso il suo approccio coreografico collaborativo e (probabilmente risultante) l'idioma del movimento del balletto contemporaneo. Ciò che è stato più memorabile per me nel lavoro è stata la presenza e il tempismo di Copeland, piuttosto che grandi 'trucchi' di movimento, è una ballerina virtuosistica, ma questo lavoro sembrava intenzionato a evidenziare ciò che c'è quando si spoglia gli alti livelli di virtuosismo.
Una combinazione di colori crudamente grigia, la tunica corta splendidamente fluida di Copeland in quel colore (Costume Design di Harriet Jung e Reid Bartelme), sembrava riflettere quel senso scarno. Cosa rimane nella cenere dopo che il fuoco brucia luminoso e caldo? Pezzi di virtuosistica fiamma ardente ancora lambivano di tanto in tanto, ad esempio con rapidi passi e salti ad alta quota. Come un battito cardiaco, il punteggio ( Attacco / Transizione di Alva Noto e Ryuichi Sakamoto con Ensemble Modern) si sentiva riflettente della continua risonanza del suo movimento (sia quella virtuosistica che quella più gestuale, interna). Come tutte le opere in programma quella sera, Cenere ha dimostrato la generosità creativa che è possibile quando gli artisti mantengono menti aperte con entusiasmo per modi alternativi di fare e persone diverse con cui creare.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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