Boston Ballet in 'Artefatto' di William Forsythe. Foto di Rosalie O'Connor, per gentile concessione del Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23 febbraio 2017.
L'arte postmoderna è cresciuta dai cambiamenti socio-politici della società occidentale del secondo dopoguerra. Alcuni affermano che con l'enormità della capacità di annientare la razza umana con il semplice tocco di un pulsante, il classicismo artistico razionale non ha più risposto alle domande e alle preoccupazioni che abbiamo affrontato. Gli artisti si sono rivolti al 'meta' (la forma a portata di mano che discute se stessa), oltre che all'assurdo. Sono state ridefinite il virtuosismo, i ruoli degli interpreti e del pubblico e la natura della coscienza stessa. Ancora una volta affrontiamo nuove sfide e domande nel 21stsecolo, e la nostra arte potrebbe nuovamente cambiare per seguire l'esempio.
Boston Ballet in 'Artifact' di William Forsythe. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Forse quest'arte post-post-moderna è un rifiuto del binario, l'idea che qualcosa debba essere una cosa o l'altra. Forse la nostra arte in evoluzione è quella in cui vivono e respirano spettri: virtuosi e pedoni, razionali e assurdi, di tradizione e innovazione. William Forsythe Artefatto è stato originariamente creato nel 1984, è stato rielaborato più volte da allora e reimmaginato per il 2017. Il Boston Ballet sta attualmente presentando questa reimmaginazione, e così facendo sta aprendo il dialogo su quegli (e altri) aspetti dell'arte. Piuttosto che binari, ci sono fluidità non binarie in questo meraviglioso lavoro.
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In effetti, la coreografia mostrata era una vera fluidità di virtuosismo e semplicità pedonale nel movimento. Per aprire lo spettacolo, un ballerino solitario ha camminato lentamente, non lentamente come il mercurio o la melassa, ma con una qualità altrettanto sostenuta e fondente. Anche le sue braccia si muovevano secondo schemi non convenzionali e con una qualità altrettanto sostenuta. Le luci della casa erano ancora accese, il che era certamente non convenzionale. Allo stesso modo, la semplice locomozione ha spinto formazioni e confini umani in altri punti dello spettacolo. Schemi ripetuti delle braccia hanno creato immagini in movimento quasi meditative, a volte riempiendo lo spazio negativo e altre volte no.
Quando il virtuosismo ha rivendicato la sua affermazione, lo ha fatto davvero, ma senza annunci o fanfare. Una sezione di allegro ballerini maschi mescolava un gioco di gambe rapido e complesso per apparire naturale come camminare. Una successiva sezione di allegro, accompagnata da una virtuosa melodia per pianoforte, era così veloce che la sua esecuzione in qualche modo non sembrava umanamente possibile. Ma i ballerini del Boston Ballet non sono caduti fuori tempo una volta.
Misa Kuranaga e Patrick Yocum in 'Artifact' di William Forsythe. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Pas de deux offriva spostamenti pelvici fluidi e sciolti e un gioco di gambe guidato dall'arco. Altri passi a due erano più spigolosi, con estensioni spettacolari e una partnership visivamente accattivante. Come qualcosa offerto durante il lavoro, l'intrigante tensione spaziale è cresciuta da separati pas de deux ballati in punti contrappunti, cannoni e tecniche simili per manipolare frasi coreografiche. Da questo, un magnetismo ha riempito l'aria tra coppie separate.
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Allo stesso tempo, in netto contrasto con un movimento così estremamente tecnico, altri ballerini in linee offrivano piacevoli percussioni corporee e altri movimenti casuali di pedoni. Un motivo intrigante erano le braccia a forma di cactus a gomito piegato e un applauso udibile proveniente con le braccia che di tanto in tanto si chiudevano davanti al petto. Il tutto si è mescolato per offrire un'immagine scenica e un punteggio uditivo complessivo, che ha deliziato e sbalordito. Anche il tenore principale di quella colonna sonora, del sound designer Niels Lanz, passò dal classico elevato al misterioso stile postmoderno, spaziando da quell'allegro accompagnamento di pianoforte a una cacofonia di percussioni corporee, pianoforte e parlato.
04_Parte ICaralin Curcio e l'artista ospite Dana Caspersen in 'Artifact' di William Forsythe. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Quel discorso includeva la narrazione di una donna anziana in abiti d'epoca e di un uomo che parlava in un megafono. Presentavano giochi di parole che ricordavano il teatro dell'assurdo, c'erano giri di parole, cambi di tempo e parti del discorso che cambiavano significato - ma quale significato poteva essere poco chiaro. Anche così, parole chiave come “ricordare”, “dimenticare”, “vedere” e “pensare” sono emerse temi di memoria, esperienza, percezione e verità. All'inizio dello spettacolo, la donna ha detto: 'Entra'. Alla fine dello spettacolo, ha esortato: 'Esci'. Tutto questo insieme indicava un commento sull'esperienza teatrale - un artificio basato sulla verità, che inizia e finisce in determinati punti ma che risuona prima e dopo.
In questa interpretazione, una scelta di illuminazione forse ironica (progetto luci anche di Forsythe) era un'illuminazione industriale brillante e gialla esclusivamente dall'alto sul palco a sinistra, completamente opposta alle basi della creazione di piacevoli luci teatrali. Altre luci erano classicamente belle, come le luci ambrate che brillavano sui ballerini in costumi color oro (costumi anche di Forsythe). Un momento molto innovativo e memorabile nell'illuminazione è stato un effetto che ha messo i ballerini in silhouette nera su uno sfondo bianco.
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Boston Ballet in 'Artifact' di William Forsythe. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Tuttavia, quell'interpretazione dello spettacolo come commento all'esperienza teatrale è solo una delle tante che potrebbero essere valide, con prove a sostenerlo da qualche parte all'interno dei tanti aspetti ricchi e complessi dell'opera. Forsythe ha detto che ogni spettatore porta un'esperienza unica al teatro, e da ciò si forma una comprensione e un'interpretazione di ciò che si vede che vale per lui / lei.
È tutto per il bene, poiché la nostra arte non deve essere una cosa sola. Data la natura del nostro mondo nel 2017, la nostra arte ci serve al meglio quando può supportare la pluralità - quando potremmo uscire dal teatro forse non con risposte concrete ma invece meglio preparati per il nostro viaggio verso quelle. Il Boston Ballet offre questo tipo di arte con Forsythe's Manufatto 2017. Possano tutti i membri del pubblico abbracciarlo come qualcosa di molto più di una cosa o un'altra e tanto più pronti per il loro viaggio verso le proprie risposte.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
Caterina Boren
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