Aaron Carr, Morgan Lugo e Robbie Moore di LADP in 'Harbour Me' di Sibi Larbi Cherkaoui. Foto di Laurent Philippe. Boch Center, Boston, Massachusetts.
20 maggio 2017.
La danza è, evidentemente, una forma d'arte basata sul movimento. Tuttavia, se il movimento è costante, è davvero movimento o solo una norma - ciò che è sempre è, è stato e sarà? In altre parole, il movimento significa di più quando sperimentiamo l'altra estremità dello spettro: la quiete. In un senso forse più ampio e metaforico, il movimento nella danza può essere un afferrare per dimostrare, raggiungere e trasmettere. L'immobilità può essere il permettere a qualcosa di essere ciò che è e farlo parlare da solo.
L'assemblaggio di tre opere di L.A. Dance Project, mostrate a Boston attraverso la Celebrity Series e attualmente in tournée a livello nazionale, dimostra questa dinamica. Alcune di queste opere costruiscono contenuti emotivi, oltre a mostrare la bellezza all'interno del corpo umano in movimento, incorporando momenti di quiete. Vediamo livelli di maggiore raffinatezza in questi momenti. Alcune di queste opere riposano nell'arte e nella verità che sono, mentre altre si sforzano di costruire e trasmettere un messaggio specifico.
LADP in 'Harbour Me' di Sibi Larbi Cherkaoui. Foto di Rose Eichenbaum.
Il primo lavoro, Sibi Larbi Cherkaoui's Harbour Me, è più del primo, con il coraggio di correre dei rischi ma un'apparente accettazione di ciò che il pezzo può offrire come sufficiente. Il pezzo si apre con la luce che filtra dall'alto sul palco a destra, bloccata come se, gelidamente, attraverso le sbarre di una prigione. Inizia un assolo di movimento fluido e nervoso. Le ombre si aggiungono all'intrigo di una bellissima esplorazione di sottili possibilità di movimento. Un altro ballerino si unisce, poi un terzo. Due ballerini escono e inizia un assolo di qualità più muscolosa e atletica.
Molly Ackermann Crosby
In avanti attraverso il pezzo, questa strutturazione del tre e uno continua. Più duetti potrebbero offrire una preziosa esplorazione coreografica, poiché i raggruppamenti dispari rispetto a quelli pari possono avere differenze significative. Ciò che prende il palco è sorprendente e significativo così com'è, tuttavia. La combinazione di colori scuri (luci e costumi di Fabiani Piccioli) continua ad aggiungere ombre e contorni di luce che possono essere mozzafiato. Alcuni momenti di coppia sono anche memorabili e innovativi, come la condivisione del peso in modo tale che tre ballerini sembrino un corpo unico, ma tre braccia che nuotano a tre diverse angolazioni fanno abilmente buchi nell'illusione ottica.
Una nota del programma implica che il pezzo mira a illustrare le sfide e il mondo interiore dei rifugiati, nonché la situazione generale del loro stato nel mondo - certamente un focus rilevante e tempestivo nel 2017. L'oscurità letterale del pezzo, così come la strutturazione coreografica sia del peso condiviso che delle sezioni di separazione, trasmette che anche senza la piena illuminazione dell'altro, possiamo comunque offrire supporto. Le nostre somiglianze possono sopraffare l'oscurità che potrebbe enfatizzare le nostre differenze.
Il pezzo successivo, quello di Justin Peck Murder Ballads , mira anche a rappresentare una situazione e un tema specifici (se non un messaggio palese). Lo fa in modo più esplicito, tuttavia, come con una nota di programma che spiega la genesi del pezzo e il background culturale alla sua radice. La tesi è che al centro delle sparatorie di massa in America ci sia una cultura basata sulla violenza, che risale alle canzoni popolari sull'omicidio.
L.A. Dance Project in 'Murder Ballades' di Justin Peck. Foto di Laurent Philippe.
I costumi sono di uso quotidiano americano, con alcuni dei tuoi tipici adolescenti (come gonne corte e maniche tagliate) che sembrano riferirsi a sparatorie a scuola. Frequenti sezioni all'unisono fanno eco anche al desiderio adolescenziale di adattarsi al gruppo. Alcune sezioni della coreografia hanno un'aria aggressiva, mentre altre sembrano rappresentare il supporto. In queste implicazioni, il pezzo riesce a trasmettere la sua verità meno di quanto non fosse il primo che sembra significare meno mentre dice direttamente di più.
Tuttavia, il lavoro offre momenti di movimento belli e ben realizzati. In una frase, ad esempio, un ballerino si appoggia a un altro. Il ballerino che riceve il supporto solleva un piede flesso a 45 gradi e quello che lo dà plié nella gamba opposta. Questa frase assume sfumature leggermente diverse attraverso le ripetizioni successive. Il movimento è anche più significativo quando assume una sensazione di sostegno, uno stiramento pastoso. I ballerini si impegnano veramente in quelle qualità di movimento che la coreografia richiede.
Il lavoro ha la materia prima di ulteriori potenzialità, un ottimo candidato per il workshopping e altri processi di affinamento. In tutta la realtà, questo è in una certa misura vero per qualsiasi opera d'arte. Il terzo e ultimo lavoro, Dall'altro lato , del direttore artistico Benjamin Millepied, appare più avanti in quel processo. A rischio di riduzioni semplicistiche, è un dipinto impressionista che prende vita in movimento. Una sensazione geometrica, sia attraverso le formazioni che le frasi, implica un ordine naturale, inerente a molti soggetti impressionistici.
Un'imprevedibilità concorrente, tuttavia, implica che non possiamo mai sapere veramente come qualcosa seguirà il suo corso - 'dall'altra parte' della consapevolezza presente. Proprio come i dipinti impressionistici, una chiarezza della struttura coesiste con un'intrigante sfocatura qualitativa - come in, con un cambio di prospettiva c'è più da vedere e da cogliere. Dietro a tutto c'è uno sfondo luminoso dipinto neoimpressionista dell'artista Mark Bradford. I colori vivaci nei costumi (design dei costumi di Alessandro Sartori) corrispondono a questa energia visiva.
LADP in 'On the Other Side' di Benjamin Millepied. Foto di Laurent Philippe.
Anche i ballerini di questo brano esprimono piena energia e padronanza del movimento a portata di mano. Uno vuole che due assoli - uno di una ballerina in rosso e un altro in grigio - siano più lunghi, semplicemente per quanto sono forti e sorprendenti. Sì, forza, ma c'è anche una morbidezza, una facilità nei movimenti a volte tecnica, a volte più pedonale (e nelle transizioni tra queste due qualità) alla Mark Morris. Alla forza di quel movimento si aggiunge il contrasto nell'immobilità, i ballerini in quadri occasionali.
Piuttosto che l'immobilità palese, i ballerini irradiano ancora la risonanza del movimento appena eseguito. Alcuni di questi movimenti offrono la metafora di qualcosa del mondo naturale, come un'apparente orbita del gruppo attorno a un asse centrale, una mano al centro e l'altra che si alza sopra un gomito piegato. Le immagini in orbita potrebbero non avere molto a che fare con un dipinto di fiori leggermente astratto e una luminosità complessiva (nel colore e nel movimento).
Tuttavia, con un atteggiamento di apertura alle sfumature, si apprezza la celebrazione dell'opera del movimento intorno a noi, vicino e lontano - in un fiore appena fuori dalla finestra di una persona o in una galassia distante anni luce. C'è anche quiete, ma anche nella “quiete” l'energia del movimento rimane. Al contrario, il movimento è movimento perché la quiete esiste. In modo simile, l'astrazione e la sottigliezza possono consentire a qualcosa di significativo di essere veramente ascoltato. L'assemblaggio di queste tre opere di L.A. Dance Project consente ai ballerini, ai ballerini e agli amanti della danza di tutti i tipi di vedere queste verità più chiaramente.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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