Eric Greengold ed Elizabeth Troxler in 'Dancing Through ...'. Foto di McKenna C. Poe. 30 ottobre 2020.
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La maggior parte delle opere di danza che risuonano veramente con me lo fanno a causa di un concetto forte, che gli artisti a portata di mano portano abilmente in vita. Creare un concetto è un vero lavoro creativo e intellettuale. Decidere di portarlo in vita e credere che sia qualcosa che può prendere vita, ci vuole coraggio sincero. Il lavoro per dare vita al concetto segue questo: qualcosa che richiede impegno, rigore, adattabilità e molto altro ancora coraggio . Theatre Dance Vietnam ha mostrato un tale coraggio impegnandosi in un concetto complesso e stimolante, raffigurante la storia e il contesto culturale della danza del teatro musicale americano, in Ballando attraverso .. . Il lavoro è stato girato al The Tank di New York e diretto da Elizabeth Troxler.
Alcuni aspetti astorici e debolezze strutturali erano evidenti, ma il coraggio di assumere un concetto di questa portata è qualcosa da elogiare e celebrare. La coreografia e la performance sono state magistrali, permettendomi come spettatore di non essere troppo assorbito dai miei cavilli intellettuali sulla struttura e l'accuratezza storica. Il lavoro stesso ha anche sottolineato il livello in cui l'America è stata un leader globale nella danza, qualcosa da celebrare e incoraggiare anche per le generazioni a venire.
Jessica Lee Goldyn in 'Dancing Through ...'. Foto di Sarah Takash.
Il lavoro si è aperto in una squadra di ballo che ballava in stile Broadway, impeccabilmente vestita di paillettes e cerchietti piumati. I membri del team volevano saperne di più sul modulo, uno ha chiesto da dove provenisse. Il loro allenatore ha iniziato a spiegare questa ricca storia spiegando come il modulo è uscito dal vaudeville. La prima scena di ballo è stata un bel duetto, che inizia con il seguire una bombetta attraverso l'atterraggio in una scatola e poi è stato raccolto da uno dei ballerini prima del suo valzer. Il vocabolario del movimento ricordava i balletti dei sogni della classica Hollywood. Questo è passato a toccare con suoni impeccabili e un'energia che doveva solo farti sorridere, proprio come le classiche scene di tap di un tempo. La musica suonava come se provenisse da un vecchio radio box, il che ha contribuito a creare l'atmosfera della scena.
Da lì, passiamo alle scene della Grande Depressione e degli inizi della Seconda Guerra Mondiale. Mentre le immagini di quest'epoca balenavano sullo schermo, l'allenatore ha spiegato come la danza e il teatro hanno sollevato le persone in tempi difficili e le hanno unite in uno spirito nazionale. La scena di ballo successiva è stata un altro bel duetto con movimenti un po 'più jazz, sensuali e audaci - mostrando l'evoluzione della forma col passare del tempo e gli atteggiamenti sociali cambiati. I ballerini si sono mossi con disinvoltura, gioia e facilità.
Successivamente è arrivata una scena di danza che rappresenta gli anni '60, con lo spirito ribelle del movimento hippie. Il movimento era vivace e contagioso. Segue una sequenza divertente e originale degli anni '80, con colori vivaci e body dal taglio alto.
In seguito sono stati gli anni '90 rappresentati come un periodo di oscurità e isolamento - con ballerini separati nello spazio, ognuno sotto i propri riflettori e tutto il resto fioco. Un felice tip tap rappresentava gli anni 2000: un periodo di guerre all'estero, minacce terroristiche e discordia socio-politica che lo circondava, crescente polarizzazione socio-politica e il peggior crollo finanziario dalla Grande Depressione. Forse questa scelta aveva lo scopo di sottolineare come gli spettacoli piacciono Millie completamente moderna stavano portando il rubinetto nel 20thsecolo con un botto di nuove idee - mi è sembrato vero e mi ha fatto sorridere.
Entrambe le scene erano meravigliosamente danzate e progettate, quindi le ho apprezzate molto a livello estetico. E un elemento importante che ha aiutato con la struttura e la continuità è stato l'uso di una bombetta. È stato 'passato attraverso' i decenni attraverso una combinazione di movimento e montaggio di film. Questo è stato un uso intelligente di un sostegno per portare un senso di continuità nel tempo. Questo approccio mi ha fatto pensare alle cose che sono continuate nella storia americana, dentro e fuori le arti - aspirando alla libertà per tutti prevista nei nostri documenti fondanti, per esempio.
corpo di tisha campbell
Una sequenza di scene ad alto contenuto di energia dei recenti successi musicali di Broadway ha completato le scene di danza. Questa scelta creativa sembrava incontrare il momento culturale nell'evidenziare i contributi essenziali degli artisti neri al teatro, alla musica e alla cultura pop americani. Queste scene includevano quelle del musical Le tentazioni , una cover di Michael Jackson e il recente Tina: Il musical di Tina Turner . Come lo spettacolo nel suo insieme, è stato eseguito e coreografato magnificamente.
Un finale potente con scene di ballerini di New York ha avuto l'allenatore che ci ha ricordato che il teatro rimane con noi anche quando i teatri sono chiusi, è nel nostro cuore, mente, corpo e anima. Questa è la fonte dell'arte, dopotutto! Anche con le questioni strutturali e storiche che mi hanno colpito, quel messaggio - insieme alla bellezza e alla gioia della performance e della coreografia - ha reso questo lavoro memorabile. Il coraggio di creare è qualcosa da applaudire, perché un significato potente può risuonare con quel coraggio come fonte. Aggiungi danza e design meravigliosi e non puoi perdere.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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