Island Moving Company in 'Kindred' di Miki Ohlsen. Foto di Bill Peresta. Newport, la principale compagnia di balletto contemporaneo del Rhode Island, Island Moving Company (IMC), è sempre stata inventiva e piena di risorse senza un teatro di 'base' coerente che la compagnia si è esibita in spazi da vecchi forti militari a navi pirata a ex case di riunione quacchere. Con il mondo della danza di fronte alla dura necessità di cancellare o posticipare le prove e le esibizioni, IMC ha deciso di rendere alcune esibizioni passate accessibili a chiunque online gratuitamente. Nelle prime tre settimane di aprile, la compagnia ha offerto una serie curata di spettacoli sul suo sito web.
Il nome Grande ballo in posti fantastici è piuttosto evidente, ma allude anche al Great Friends Dance Festival estivo della compagnia (ora Newport Dance Festival). Il festival aveva l'obiettivo di mettere in contatto artisti e appassionati di danza provenienti da tutto il nord-est, dal paese e da tutto il mondo, per collaborazione, supporto e altro ancora. Questo festival online attuale può realizzare alcuni degli stessi fini significativi nell'era delle distanze fisiche obbligate. Un fine settimana del festival online presenta spettacoli del Great Friends Festival, mentre altri fine settimana includono spettacoli di Providence, del Vets Auditorium del RI e di Pittsburgh, il New Hazlett Theatre di PA.
Il direttore artistico dell'IMC Miki Ohlsen's Fratelli ha dato il via al primo fine settimana (videografia di Arvid Tomako), ballato al New Hazlett Theatre di Pittsburgh. Due riflettori sono saliti su due diversi ballerini, Katie Moorhead e Gregory Tyndall. Cominciarono a muoversi con un gesto, una forma e una linea chiari, enfatizzando la tensione e poi rilasciando con il respiro. Non era chiaro se si vedessero o meno. A seconda dello spettatore, l'ambiguità avrebbe potuto essere allettante o frustrante. Quando i riflettori si spensero e l'intero palco si illuminò, gli sguardi dei ballerini fecero capire che potevano vedersi. Tyndall ballò verso Moorhead mentre lei rimaneva a terra, gesticolando verso di lei e allontanandosi da lei. C'era un'atmosfera magica da favola in tutto questo.
Moorhead si raggomitolò su se stessa, come per proteggersi, poi raggiunse il suo corpo finché si voltò. Ho pensato alle connessioni mancate tra le persone. Questa scelta ha rafforzato un effetto di prima nel pezzo che ha iniziato il tema delle connessioni mancate, che guardavano in direzioni diverse e sembravano mancare gli sguardi l'uno dell'altro mentre guardavano dietro o dietro le quinte. Eppure ben presto si alzò e saltò tra le sue braccia, e si scambiarono un tenero abbraccio. Allo stesso tempo, una tensione nella musica implicava che qualcosa minacciava la loro connessione. Il vocabolario del movimento nel lavoro ha contribuito a creare questa sensazione di tensione tra la connessione e qualcosa che potrebbe minacciarla.
Come con Moorhead che allunga le gambe lunghe e poi le arriccia in una forma a doppio atteggiamento (entrambe le ginocchia piegate), le forme espansive e libere fluiscono in qualcosa di più sagomato e gestuale. Arabeschi e braccia che ondeggiavano fianco a fianco parlavano di desiderio e di raggiungere quei collegamenti che avevano perso. Ad un certo punto il loro unisono era spento su un salto ma proprio insieme in un turno successivo, facendo l'unisono quando lo hanno ottenuto più potente. Un momento memorabile ha avuto Tyndall tra le braccia di Moorhead, come se lo stesse cullando, un'immagine di cura dei genitori o semplicemente molto umana. I due ballerini, la loro relazione platonica o romantica o di fratelli o di genitore e figlio, incarnavano un legame che può durare tra due persone anche quando mancano di connessione l'una con l'altra nello spazio letterale - un ritratto potente e presciente davvero. Erano affini.
Danielle Genest's, Direttore artistico associato dell'IMC Trasporto , il secondo pezzo nel primo fine settimana di performance curate, era un lavoro che in modo simile poteva parlare sottilmente agli umani nella comunità - tensione e armonia in opposizione per portare infine equilibrio. Notevole anche in questo lavoro è stata la variazione della tensione e dell'armonia tra le qualità della musica e quelle del movimento. Il lavoro è iniziato con i ballerini che camminavano verso una formazione, un gruppo e si affacciavano al pubblico - confronto. L'illuminazione è bassa, anche la musica è iniziata sottovalutata: si sono abbassati con le gambe e si sono spostati leggermente nello spazio. La musica (di Olafur Arnalds) costruita in volume e intensità, aumentando dramma e mistero il movimento dei ballerini era ancora piccolo, ancora all'interno delle kinesphere dei ballerini.
I ballerini si spostarono presto su una stretta linea diagonale e iniziarono a dimenarsi selvaggiamente ed espansivamente. La disconnessione e l'isolamento insiti in questo movimento contrastavano con l'unità della vicinanza dei ballerini nello spazio. Con un'esplosione nella musica, i ballerini a loro volta sono esplosi sul palco. Il movimento era atletico ed espansivo, con il gesto infarcito per creare qualcosa di non del tutto definibile ma bello. C'era una chiara tensione tra l'azione che è il caos organizzato e la connessione a portata di mano, come i ballerini quando i ballerini riorganizzano le formazioni per muoversi insieme in coppia. In queste coppie è stato sorprendente il lavoro di coppia, come i ballerini dietro i loro partner che si avvolgono intorno alle braccia estese di lato, offrendo un senso di supporto strutturato.
patrimonio netto del piastrellista
I loro costumi di semplici tuniche hanno permesso al loro movimento di essere al centro della scena. Bande di luce attraverso il palco hanno aggiunto alla meraviglia estetica, i ballerini che si muovono attraverso questa luce e ombra. Duetti e assoli simultanei hanno creato una serie di storie diverse sul palco, offrendo infinite possibilità narrative, contenenti moltitudini di racconti umani. In uno dei pochi chiari cambiamenti energetici, un altro cambiamento energetico aveva un gesto accentuato che spostava i ballerini in una sezione di gruppo. Sembrava che la comunità fosse stata trovata. Per terminare il lavoro, sono tornati a una linea, gesticolandosi l'un l'altro, quindi si sono rivolti al pubblico per farci un gesto. Questa scelta è stata come una chiamata per noi, per chiederci come andranno avanti le nostre storie.
La formazione curata del secondo fine settimana includeva quella di Ohlsen La terra gira. Il titolo si traduce dallo spagnolo come 'la terra ruota'. In quanto tale, c'era una sensazione di spirale durante tutto il lavoro, a partire dall'inizio del lavoro di un grande ensemble che girava dentro e fuori dalla formazione. Un'immagine memorabile qui erano le braccia di un cerchio interno che si aprivano a ventaglio oltre un cerchio esterno, come un fiore. I costumi (di Eileen Stoops) erano in una combinazione di colori blu scuro e nero, in tagli semplici e puliti che completavano il movimento a portata di mano. In poco tempo, la maggior parte dell'ensemble ha liberato il palco e ne è rimasta una coppia.
Ne è seguito un duetto con un alto livello di passione, con una forza ma una piegatura alla qualità del movimento. Una flessibilità era a portata di mano. Le forme sono andate davvero al limite, con un'attitudine elevata e un profondo piegamento all'indietro come motivi. Movimenti innovativi come una gamba che passava attraverso l'altra gamba per finire in un arabesco, mentre supportati da un partner, erano accattivanti e trasmettevano complessità.Ho pensato di dover ballare una linea sottile tra risultati imperfetti. Sono entrati altri due ballerini, consentendo molte possibilità visive ed energetiche e aprendo l'esperienza ritratta oltre una coppia. Un'immagine notevole qui era le ballerine che giravano basse con entrambe le gambe piegate in atteggiamento, le coppie avevano elaborato la fisica complessa in modo tale che questa sequenza di movimenti fluisse senza soluzione di continuità.
Una sezione finale ha riavviato l'ensemble, danzando variazioni su una frase avvincente tra cui un salto con le ginocchia piegate che progredisce in una svolta con una gamba estesa lunga e bassa, linee e spirali che si fondono piacevolmente ma intrigantemente distinte. In tutto, la colonna sonora (di Kevin Keller) ha aggiunto ulteriore drammaticità al senso di spirale del lavoro e all'atmosfera emotiva di entrambe le sezioni di ensemble, duetto e quartetto. Questo dramma all'inizio non mi ha preso, non ho capito bene la posta in gioco. Eppure, verso la fine, ho improvvisamente capito il potente dramma: l'esperienza unica di due su quattro persone che si svolge mentre il mondo intorno a loro gira, tutte le persone intorno a loro con le proprie storie, le strade piene di gioie e di crepacuore che sono invisibili ai nostri occhi nudi. In qualche modo, con un milione di scelte che si sommano, due persone e due gruppi di due persone si sono riunite tra miliardi di altri umani proprio come loro.
La luce si è improvvisamente spenta per terminare il pezzo, e qualcosa in me voleva un finale liscio per far chiudere il cerchio al dramma e legarlo in un pacchetto ordinato. Eppure il taglio rapido ha sottolineato in modo presciente come queste storie che si svolgono oltre a milioni di altre storie su questa terra continueranno finché questa terra ruoterà e noi saremo vivi su di essa. Il sito web di IMC includeva questa citazione poetica insieme alle informazioni sul programma sul sito: 'la terra si è girata per avvicinarci, ha ruotato su se stessa e dentro di noi, e alla fine ci ha uniti in questo sogno ...'. Una metafora e una storia così significative ci sono disponibili attraverso l'arte. Compagnie di danza come IMC stanno facendo la loro parte per garantire che anche mentre ci allontaniamo fisicamente, continuiamo ad averne accesso.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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