Balletto di Brooklyn. The Actors Fund Theatre, Brooklyn, New York.
13 febbraio 2020.
In quest'epoca post-postmoderna, sia il moderno che il classico vengono celebrati e criticati. Tutti gli stili e le qualità sono un gioco leale da esplorare. Le convenzioni e i valori che le opere classiche e moderne rivelano - siano esse presentate insieme o separatamente - parlano di questioni come la rappresentazione, il privilegio e il potere. Possiamo vedere i modi in cui la nostra cultura è cambiata ed evoluta, e i modi in cui non lo è. Brooklyn Ballet's Storia revisionista II ha parlato coraggiosamente in questi modi, attraverso il concetto e altre scelte creative.
Marcia Suzanne Lawler
Una rivisitazione dell'iconico Non quattro presentava quattro donne di colore (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer e Courtney Cochran), una potente dichiarazione sulla rappresentazione e la razza nel mondo del balletto e oltre. In seguito c'era un quartetto con quattro uomini di colore che ballavano diversi stili di hip hop - circa quanto diverso dall'originale balletto romantico che si potrebbe ottenere rimanendo nella stessa struttura. La notte si è conclusa con Intersezione , un'opera che parla della condizione urbana moderna di movimento costante e mancanza di una vera comunità - balletto contemporaneo con una solida base classica.
Non quattro è iniziato in quel tableau archetipico: livelli, sguardi e port de bras meravigliosamente realizzati per l'armonia estetica, nonché un equilibrio di connessione e solitudine per ogni ballerino. L'attenzione impegnata dei ballerini è stata immediatamente chiara. I loro costumi erano sullo stesso tema (nel colore, nello stile di design, nel materiale), ma ogni ballerino indossava qualcosa di leggermente diverso, dando a ciascuno un segno concreto di individualità.
Si sono mossi attraverso sezioni di assolo, duetto e gruppo, offrendo tutte la propria qualità di movimento ed estetica. Un ballerino era particolarmente gentile e chiaro. Uno è arrivato con un senso di attacco concentrato e accentuato. Un altro aveva un leggero senso di radicamento. Un altro ancora aveva una presenza distintamente gioviale e timida, e un movimento vivace.
Ci sono stati diversi tentennamenti a turno, e mi chiedevo se la coreografia avrebbe potuto essere modificata per impedirlo. Ha fatto sminuire la bella coreografia classica e la presenza incrollabile dei quattro ballerini. D'altra parte, forse era dovuto alle condizioni del luogo, come un pavimento scivoloso o l'illuminazione che rendeva difficile lo spotting.
Nel complesso, tuttavia, i ballerini offrivano un'individualità audace e feroce così come una grazia armoniosa. Erano pienamente in sintonia con il loro gruppo e partner. Potevo sentire le loro scarpe da punta attraverso il palco. Il rigoroso insegnamento tecnico dice che non vuoi sentirlo, ma questo effetto ha offerto un altro strato uditivo che mi è piaciuto. Tutte le formazioni erano strutturalmente chiare e visivamente piacevoli.
Il lavoro si è concluso in un quadro, come è iniziato: le quattro donne come i loro spiriti unici ma in una comunità gioiosa e armoniosa tra loro. Ho riflettuto sul potere delle immagini qui, quattro donne di colore che ballano in un'opera iconica, quella natura iconica specificamente bianca. Mi chiedevo quale bambino di colore - o persona di colore di qualsiasi età, se è per questo - che è venuto allo spettacolo potrebbe per la prima volta vedersi nel balletto ed essere ispirato a indossare le ballerine da soli.
Quartetto seguì quello, con le coreografie dei ballerini e il concept di Lynn Parkerson (direttore artistico del Brooklyn Ballet). Quattro uomini di colore (Michael 'Big Mike' Fields, James 'J-Floats' Fable, Bobby 'Anime' Major, Ladell 'Mr. Ocean' Thomas) hanno ballato in una struttura simile a Non quattro - ognuno con la propria firma sotto l'ombrello più ampio del movimento hip-hop. Uno si muoveva in uno stile “flettente”, piegando e posizionando le articolazioni in modi che non sembravano umanamente possibili. Uno 'schioccato e bloccato', accentuando con forza e poi rilasciando. Un altro ha irrigidito i muscoli del petto, delle natiche e delle braccia in modi comici e spensierati, facendo ridere il pubblico. Un altro ancora aveva uno stile più fluido e lirico, che ondeggiava dolcemente e scorreva attraverso le sue articolazioni con i ritmi.
È interessante notare che Non quattro traduce dal francese come Quartetto . Cominciavano e finivano in un tableau di vari livelli e forme, proprio come aveva fatto il pezzo precedente. Come variazione delle sezioni in Non quattro quando i ballerini si agitavano in cerchio, rivolti verso l'esterno, gli uomini facevano lo stesso ma su piedi piatti e si alternavano livelli con le braccia piegate ai gomiti (che era visivamente ed energeticamente piacevole) . La musica è iniziata e finita nella stessa partitura di No Qu per rte , eppure tra 'R & B' e brani hip-hop accompagnavano i ballerini.
Ci sono stati anche momenti più umoristici e teatrali in questo lavoro che nel pezzo precedente, sottolineando il posto accresciuto di teatralità palese nella danza moderna, postmoderna e post-postmoderna. Eppure, come il brano precedente, metteva in discussione con forza le concezioni classiche e sociali dell'arte della danza offrendo un'alternativa piacevole e ben fatta, oltre a trovarsi in una struttura molto simile.
Intersezione ha seguito un lavoro ponderato e ben congegnato sulla condizione urbana moderna di costante movimento e mancanza di autentica connessione umana. Parkerson ha coreografato questo lavoro. I ballerini entravano ed uscivano, spostandosi attraverso sezioni accoppiate. L'audio dei messaggi dell'MTA (sistema di trasporto pubblico di New York City) risuonava attraverso il teatro. I ballerini indossavano abiti stilizzati di tutti i giorni, ognuno con un vestito leggermente diverso (anche se con alcuni pezzi e modelli simili). Tutte queste scelte e qualità si sono unite per formare l'illustrazione di persone che si muovono rapidamente e indaffarate in uno spazio urbano.
Le donne indossavano scarpe da punta e ballavano in uno stile più classico, mentre gli uomini ballavano in uno stile più hip-hop. Parkerson ha richiamato gli aspetti lineari in entrambi gli stili di movimento per creare una partnership avvincente, come un motivo di uomini con le braccia tese come supporto e i loro partner arabescati dietro di loro. Altre volte si muovevano i torsi attraverso quadrati che gli uomini facevano anche con le braccia. Un altro motivo memorabile erano i partner uno di fronte all'altro e le donne che si arrotolavano fino alle punte piene e poi tornavano a terra: semplice ma pulito, intrigante e memorabile.
I ballerini hanno continuato a muoversi attraverso diverse formazioni e raggruppamenti, con quei messaggi intercom MTA che suonavano a intermittenza. Quando non lo erano, il violoncello dal vivo (di Malcolm Parson) e la batteria (di Killian Jack Venman) accompagnavano i ballerini. I toni risonanti di questi strumenti hanno portato un senso di qualcosa di più profondo sotto la presentazione esteriore dei pendolari in modalità frenetica e la miriade di stimoli sensoriali presenti per le persone che vivono in città mentre si spostano.
I ballerini uscivano individualmente e in gruppo e le luci si spensero. Il lavoro è terminato, ma ha lasciato una nuova vibrazione nella stanza. Elementi classici e moderni nel significato e nell'estetica avevano lasciato insieme davvero un'impressione. Possiamo onorare il passato mentre lavoriamo per correggere i suoi torti dannosi, nel miglior modo possibile. L'arte può essere un punto di partenza.
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Di Kathryn Boland di La danza informa.
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