Paulo Arrais e Irlan Silva in 'Lacrima di ossidiana' di Wayne McGregor. Foto di Rosalie O'Connor, per gentile concessione del Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
3 novembre 2017.
La tensione tra la volontà dell'individuo e quella del gruppo è vecchia come il tempo. Nella danza classica c'è ilCorpo di balloe solisti. Tradizionalmente parlando,corpoi membri devono insieme comporre un insieme unito mentre i solisti hanno il compito di incarnare personaggi, archetipi o idee pieni e memorabili. Alcune opere d'arte della danza possono utilizzare questa struttura per raffigurare gruppi uniti e coloro che divergono da loro, quei 'non conformisti' che osano colorare fuori dalle linee. Sembra che sia stato dimostrato possibile anche nel balletto realizzato in una vena più contemporanea.
Boston Ballet in 'Obsidian Tear' di Wayne McGregor. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Il Boston Ballet ha dimostrato un tale approccio, con grande successo, in Lacrima di ossidiana - inclusa l'opera del titolo di Wayne McGregor e la prima mondiale di Quinta Sinfonia di Jean Sibelius dalla coreografa residente Jorma Elo. L'attenzione generale, fornita con specificità ma sfaccettata sfumatura aperta all'interpretazione, sembra abbastanza appropriata nel 2017 varie forze socio-politiche ci portano a considerare come equilibriamo al servizio della vita dell'individuo e della prosperità del collettivo più ampio.
Crystal Naii Collins Broussard
L'Oxford Dictionary definisce 'ossidiana' come 'una roccia vulcanica dura, scura, simile al vetro, formata dalla rapida solidificazione della lava senza cristallizzazione' - una parola davvero curiosa per il titolo di un balletto. Ciò combinato con la grande e drammatica apertura precedente ('Finlandia' di Jean Sibelius, guidato dal direttore ospite Daniel Stewart), e noi membri del pubblico non sapevamo cosa aspettarci. Eppure sapevamo di essere pronti per un giro. I primi ballerini erano in nero, con uno in rosso, un colore che spiccava come vibrante e unico. Altri ballerini si sono uniti, ma tutti in nero e nessuno con questo accattivante rosso (costumi assemblati dalla coordinatrice della moda Katie Shillingford). L'unico rosso doveva significare qualcosa. Qualcosa di grosso doveva arrivare.
Il movimento di McGregor in questo pezzo era come lo sciroppo d'acero - trasudava in modo sostenuto ma con una dolcezza in qualche modo acuta e sorprendente. Una maglia del contemporaneo classico e più congiunto forse ha costruito questa qualità. La musica si è intrecciata attraverso quel movimento, con una qualità continuamente serpeggiante. Al contrario, mentre i ballerini si muovevano, diversi raggruppamenti sembravano incarnare diverse parti armoniche nella musica: alti e bassi, taglienti e altro ancora.adagio.
Il movimento era anche piuttosto modellato sulla forma, a volte quelle più complesse e sfocate alla vista, altre volte più geometriche e definitive. È diventato un dare e avere, un equilibrio, tra il definito e il un po 'indefinibile. Una forma davvero memorabile, visivamente sbalorditiva ma anche apparentemente parlando della connessione tra i ballerini, erano le braccia che formavano un cappio (i ballerini tenevano i polsi) e il cappio sollevato sul palco. Lo hanno rilasciato per ripetere il loop in una variazione diversa.
Boston Ballet in 'Obsidian Tear' di Wayne McGregor. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Più tardi, gli stessi due sono usciti dal palco insieme - due parti di un tutto, è apparso. Eppure la ballerina in rosso non è mai stata coinvolta in questo tipo di connessioni. Inoltre, altri ballerini si unirono e vennero a condurlo a una sporgenza - una di roccia nera, affilata, spessa e forte. Ossidiana . Stava crescendo la tensione della battaglia. Un ballerino ha allungato il braccio come per indicare 'avanti, uomini!' Il movimento è quindi diventato più veloce, più geometrico e più angolare, guidato dal gomito, con gesti in diversi piani e direzioni. Sembrava tutto abbastanza meccanico. La ballerina in rosso fu finalmente condotta sul bordo della sporgenza. La tensione raggiunse l'apice perché doveva stare lì mentre danzava potente e imponente (in un duetto e in un assolo) sotto di lui. Sembrava non esserci scampo.
In un modo stranamente sinistro, un ballerino ha attraversato lentamente il palco. Ricordava la lenta marcia verso la mortalità. La fine apparentemente così vicina per questo outsider in rosso, era abbastanza tangibile da riflettersi nella forma fisica. Il ballerino sulla sporgenza ha cercato di scappare ma è stato poi spinto in un abisso sconosciuto. Poi un altro ballerino ha lottato per la vita - una rappresentazione di colui che è caduto, o uno di connessione empatica tra loro come persone che vivono, che sentono?
Al di sopra di questo ballerino ha iniziato un duetto di movimenti pesanti e radicati, di condivisione del peso tesa ma eseguita senza intoppi. Questa sezione, così come molto altro sul pezzo (come alcuni in un cast di soli uomini che indossano costumi piuttosto femminili) ha infranto senza batter ciglio i confini di genere La partnership di soli uomini includeva forme e movimenti storicamente ballati dalle donne. Non sembrava che tutto richiamasse l'attenzione su di sé, poiché non sembrava essere l'obiettivo principale del lavoro. Il genere non sembrava dover avere importanza.
Ciò che sembrava essere più il punto in questione era il trattamento di questo ballerino vestito di rosso - ostracizzato, diffamato e infine spinto alla sua scomparsa. Significativo è stato anche il modo in cui uno dei principali leader di questo trattamento è saltato giù dalla sporgenza alla fine: luci e musica si sono improvvisamente interrotte e il sipario si è abbassato rapidamente, per aumentare lo shock di osservare quell'azione completamente inaspettata. Un asporto: a volte siamo spinti e talvolta saltiamo. Siamo finiti e lo facciamo su noi stessi. Un altro è che coloro che fanno il prepotente e ostracizzano i vulnerabili alla fine si fanno anche del male. Qualunque fosse il caso, o anche senza un particolare messaggio morale da derivare, era un'arte unica e sorprendente da vivere.
Boston Ballet nella 'Quinta Sinfonia di Jean Sibelius' di Jorma Elo. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Jorma Elo's Quinta Sinfonia di Jean Sibeluis era notevolmente più tradizionale ma aveva il suo tipo di inclinazione contemporanea. È iniziato davvero con il botto, a rischio di cliché, ma che non era affatto un cliché. Fin dall'inizio, le formazioni si sono fuse l'una nell'altra in modi molto sorprendenti e innovativi. Era un tipo diverso di movimento continuo rispetto a quello che si vedeva nel pezzo di McGregor piuttosto che i singoli raggruppamenti che si muovevano continuamente in frasi specifiche, il quadro generale del palco era in costante mutamento, spostamento ed evoluzione. Con un intelligente lavoro di frase, varie coppie di ballerini e ballerine, in verde e marrone (costume design di Yumiko Takeshima) spostato all'interno di queste formazioni. Questa frase era punteggiata da alcuni particolari motivi e forme di movimento, comprese le braccia a 'V', le gambe a 'forbice' con i ballerini sollevati (per creare quasi la sensazione di volare).
Sembrava tutto in gran parte classico, ma le estensioni e le forme cadenzate nella collaborazione si sentivano irresistibilmente contemporanee. Tuttavia, qualcosa di significativo sembrava abbastanza divergente dai classici balletti senza trama. Una ballerina in blu (Ashley Ellis), che non aveva un partner, ha ballato il suo movimento unico. Ad un certo punto, per esempio, Ellis si è seduta, ha fatto girare i piedi e ha pedalato come se stesse andando in bicicletta. La sua solitudine le ha impedito di volare, tenendola a terra, mentre quelli con il supporto di altri potevano volare?
L'unità del gruppo nel suo insieme non era così stabilita all'inizio, i ballerini in linee chiare muovevano arti in ogni direzione: un caos organizzato. Tutto questo si è trasformato in un unisono più chiaro: canone, raggruppamenti e simili. Il personaggio di Ellis non sembrava disposto, o in grado, di auto-definirsi all'interno di quell'identità unita, tuttavia. In una bellissima sezione, ad esempio, i ballerini hanno saltato in linee che si intersecavano dolcemente. La ballerina in blu ha preso la sua strada, tuttavia.
Derek Dunn e Hannah Bettes nella 'Quinta sinfonia di Jean Sibelius' di Jorma Elo. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Alla fine, il gruppo è venuto a fare un quadro meraviglioso - eppure la ballerina vestita di blu si è seduta, vendendo le sue gambe. Non è mai venuta per unirsi veramente al gruppo. Eppure un sorriso era largo sul suo viso. Sembrava in solitudine, ma non solitudine. In questo, il lavoro in collaborazione con McGregor's ha dimostrato una diversità di esperienza.
nick fink età
C'è l'ostracizzazione e l'attacco dell'estraneo, il più delle volte sopportato dalla paura, spesso quella del cambiamento, di perdere ciò che si è avuto. C'è anche quando il gruppo e l'outsider sono contenti della propria identità e dell'esperienza presente. Il nostro mondo (forse più ora che da molto tempo) sta attualmente affrontando queste domande su come bilanciare i bisogni dell'individuo e del gruppo, del benessere del branco e quello degli estranei - forse ora più di quanto non abbia fatto da molto tempo .
L'arte, al suo meglio, è uno specchio a più pannelli per riflettere la realtà così com'è o come potrebbe essere. La danza, con accesso al potere delle infinite possibilità dei corpi nello spazio - unita alle menti e agli spiriti di quei corpi - ha forse ancora un'abilità unica tra le forme d'arte. Nel Lacrima di ossidiana, Il Boston Ballet ha sfruttato questo potere con precisione e grazia.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
