Boston Ballet nelle 'Bach Cello Suites' di Jorma Elo. Foto di Rosalie O'Connor, per gentile concessione del Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
10 marzo 2018.
Una cosa sorprendente della danza può essere il modo in cui alcune cose sono illusioni ottiche, e alcune cose stanno effettivamente accadendo fisicamente con i corpi nello spazio. L'occhio della mente associa movimenti e formazioni con azioni e immagini che conosciamo dalla vita. Altre volte, siamo colpiti da quanto reale, non importa quanto apparentemente difficile, ciò che i ballerini stanno facendo possa essere e sentire. Insieme all'uso saliente di suono / musica, illuminazione, costumi e struttura, tutto questo era presente il conto in tre parti del Boston Ballet Parti in Suite.
Boston Ballet nelle 'Bach Cello Suites' di Jorma Elo. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
L'apertura della serata è stata Suite per violoncello di Bach, una prima mondiale del coreografo residente Jorma Elo. Un'atmosfera minimalista era subito palpabile, con un violoncellista che suonava dietro il palco a sinistra e un grande pezzo geometrico appeso sopra. Entrò un solista, a cui si unì stabilmente altri ballerini. Aggraziata, ma forte, la collaborazione includeva motivi come ballerini che sfiorano il pavimento con i piedi e le gambe, per poi essere sollevati più in alto.
il latte di mandorla ha fosforo
Altri movimenti sono similmente deviati dal mandato classico, ad esempio con bizzarre scosse e contrazioni. Insieme a questa qualità c'erano estensioni basse e piroette singole, piuttosto che multiple. Elo non ha sempre spinto al 100 percento, rendendo il 100 percento significa di più quando è arrivato. Tutte queste scelte coreografiche sembravano essere al servizio dell'armonia con la musica se le note fossero diventate movimento, sarebbero state ciò che c'era sul palco. I ballerini hanno incarnato pienamente questa illusione metaforica, quella che hanno anche reso così tangibilmente reale.
Anche i cambiamenti di illuminazione (del designer John Cuff) e il movimento di quel set sopraelevato (linee di metallo che si intersecano, scenografia del direttore artistico del Boston Ballet Mikko Nissinen) hanno suscitato il mio interesse visivo. Le ballerine indossavano body neri e collant bianchi, e le danzatrici indossavano tutto nero. Questo minimalismo estetico ha offerto una struttura per la più profonda complessità del movimento per essere più pienamente recepita e apprezzata. Canon potrebbe arrivare a sentirsi abusato, ma forse quell'uso frequente era un riflesso intenzionale della sensazione ripetitiva e meditativa della musica.
forza della semplicità
Per finire, due ballerini erano in piedi perpendicolarmente l'uno dall'altro: uno al centro del palco, l'altro sotto il palco a destra. Si guardavano all'esterno, non l'un l'altro. Le tende caddero. Questo finale potrebbe essere interpretato come esistenzialmente cupo - una rappresentazione dell'isolamento nella nostra coscienza. In una prospettiva più piena di speranza, i ballerini hanno guardato al futuro con coraggio, nonostante quell'isolamento, in uno spirito di aspro individualismo. Come nelle illusioni ottiche e nella realtà, la percezione che portiamo all'interpretazione può fare la differenza.
Lawrence Rines e il Boston Ballet in 'In Creases' di Justin Peck. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
In un bel cambiamento stilistico, il secondo pezzo - quello di Justin Peck In pieghe è iniziato con un vero botto. Le luci erano luminose e dorate, la musica correva e i ballerini eseguivano coreografie scattanti. In una somiglianza con il pezzo precedente, due pianisti su un pianoforte gigantesco a due lati hanno fornito una partitura dal vivo. Ci fu rapidamente un senso di ordine contro i cerchi chiari del caos dissolti in forme indefinibili, di nuovo in un cerchio e di nuovo per dissolversi di nuovo. Il movimento jazz, come le curve parallele, ha fatto la sua comparsa. In una frase, i ballerini hanno realizzato braccia a forma di L in stile jazz - accentuando una parte della L che si estende e poi l'altra - mentre camminavano in un profondo plié, in una formazione di linee inclinate.
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Altre frasi erano più apertamente classiche - linee intersecanti in cui le ballerine in una linea jetédattraverso una fila di ballerini, per farli viaggiarepiccolo allegropassa attraverso le ballerine, per avere poi le ballerinebalzò in piedietorre lanciataattraverso i danzatori. All'interno di questo vocabolario classico c'era una formazione meno convenzionale, quella che creava avvincenti illusioni visive. Come uno, si sono uniti per mano e sono usciti da un cerchio in una linea. Allo stesso tempo, un solista è diventato solidofrustatosvolte, creando l'illusione che le sue svolte stessero causando lo scioglimento del cerchio.
Come un altro, lo stesso solista è stato associato per girare con una gamba estesa in avanti, i ballerini in cerchio sotto di lei tenendosi per mano e abbassando le braccia per consentire alla sua gamba di continuare a girare senza ostruzioni. I ballerini in cerchio hanno coordinato i tempi di questo in modo tale che sembrava che la gamba del ballerino che girava spingesse naturalmente l'azione ondulatoria dell'abbassamento delle braccia nel cerchio, proprio come la gravità fa cadere un oggetto. Sotto questi aspetti, il pezzo è stato molto divertente e di successo.
La combinazione di elementi estetici ha avuto meno successo, i costumi blu e bianchi e l'illuminazione brillante hanno offerto un'aria pacifica ed elegante che era discordante con la sensazione tesa e quasi aggressiva della musica e del movimento. Forse questa giustapposizione era intenzionale, come una sfida postmoderna alla necessità di creare armonia in tali elementi. Sembra che Peck possa anche imparare da molto Elo sul valore di trattenersi a volte dal pieno virtuosismo, in modo che possa significare di più quando è presente. Tuttavia, il finale ha portato una sensazione di speranza di progressione in avanti, i ballerini se ne sono andati con il mento sollevato mentre guardavano con orgoglio e intento verso l'esterno.
John Lam Misa Kuranaga e Isaac Akiba in 'Pas / Parts 2018' di William Forsythe. Foto di Rosalie O’Connor, per gentile concessione del Boston Ballet.
Quando si è alzato il sipario per il terzo pezzo, quello di William Forsythe Pas / Parti 2018 , Improvvisamente ho capito perché l'intervallo era sul lato più lungo. Il set era una struttura unica e impressionante di due pareti bianche alte quasi il soffitto. Un assolo di Chyrstyn Fentroy ha aperto il lavoro. Si muoveva con una qualità elastica - flessibile, ma irremovibilmente forte, e con un allungamento sfumato nel tempo del suo movimento. Un altro effetto estetico immediatamente evidente è stato il suo body bicolore - un colore diverso nella parte posteriore e anteriore - in modo che ci fosse un sorprendente effetto caleidoscopio mentre si girava.
Questo effetto è continuato per tutto il pezzo, con ogni ballerina in un body bicolore simile. Forsythe avrebbe potuto spingere ulteriormente questo effetto caleidoscopio con più giri multipli. Eppure potrebbe essere sembrato incongruo con il movimento del pezzo. Sebbene questo movimento avesse una base tecnica, è meglio caratterizzato da onamonapeia: pop-pang-pow, swish-swoop-swipe! Un movimento fluì nel successivo in modo tale che la base tecnica divenne meno significativa, un mezzo per un bel fine.
Altri movimenti erano più lenti e più definiti, in particolare (e forse necessariamente) ascensori ed effetti al loro interno. In un sollevamento particolarmente memorabile, due danzatrici hanno sollevato una ballerina sotto le ascelle mentre lei apriva e chiudeva le gambe a forbice, seguita da piccoli interruttori delle gambe, mentre il trio usciva dalla scena. Tutto questo è avvenuto attraverso vari assoli, duetti, trii, sezioni di ensemble e vari altri raggruppamenti. Sono stato rincuorato nel vedere ogni ballerino accreditato nel programma per la sua sezione (anche se potrebbe essere abbastanza difficile seguirlo nel teatro oscuro).
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Un altro momento memorabile è stato che l'intero ensemble si è interrotto improvvisamente, mentre un solista al centro del palco si voltava e trasudava attraverso un complesso gioco di gambe. Il cambiamento qualitativo dalla precedente sezione ensemble, di questo passaggio da molti a uno ballo, è stato davvero accattivante. Anche accattivante è stata la sensazione futuristica complessiva del lavoro.
Insieme a ciò, la musica elettronica era la colonna sonora del pezzo, certamente non tipica del balletto. Forsythe non ha paura di superare questi limiti. Sono molto contento che non lo sia. Sono i creatori come lui, in ogni forma d'arte, che spingono avanti l'arte. Del resto, Elo e Peck sono con lui in quella categoria. Più o meno di successo, non hanno paura di mettere in campo ciò che devono mettere in campo - nell'artificio e nella vera natura di ciò che accade sul palco.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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