Island Moving Company in 'Memory and Glass'. Foto di Thomas Palmer. Green Street Studios, Cambridge, Massachusetts.
22 aprile 2017.
Da un lato, c'è la diversità: l'esistenza di diversi modi di essere e di agire. Dall'altro, c'è unità: entità separate che agiscono e sono in coesione e armonia. Le due modalità non si escludono a vicenda, tuttavia, perché unità non significa necessariamente conformità. Modi divergenti di essere e di agire possono unirsi armoniosamente e quindi essere unificati. Ora stiamo vedendo quell'effetto nella danza da concerto, in generale, con elementi classici e contemporanei che a volte si fondono e talvolta convivono fianco a fianco.
Ruth Whitney e Jacob Hoover della Tony Williams Ballet Company in 'La Favorita'. Foto di Golden Lion Photography.
Kat Nasti, direttrice dei Green Street Studios di Cambridge, Massachusetts, ha espresso questo punto introducendo Ballet Showcase del collettivo di danza. Lo spettacolo è il primo di una serie di concerti specifici per genere che Green Street presenterà nei prossimi mesi.
Lo spettacolo comprendeva opere nel linguaggio del balletto che vanno dal classico al neoclassico al postmoderno con ispirazioni balletiche. Il primo di questi pezzi, Mama Belly coreografata ed eseguita da Tai Jimenez, è stata una sorprendente esplorazione della maternità.
Si potrebbe interpretare quell'esplorazione come in gran parte un commento al sacrificio - forse in parte una perdita di parte della propria identità - all'interno dell'esperienza della maternità. Jimenez si muoveva con grazia e intensità. Spesso iniziava il movimento dai fianchi, dai gomiti e dai polsi con sorprendente sottigliezza. I costumi e l'illuminazione completavano la costruzione del suo corpo di un'atmosfera quasi inquietante. Una svolta in piqué fluttuante, ma terra-terra - come uno dei pochi movimenti apertamente tecnici nel pezzo - ha lasciato a desiderare una fusione più fluida del movimento balletico con quello dell'idioma postmoderno della tecnica di rilascio.
Allo stesso modo postmoderno in alcune qualità era un brano successivo, un estratto di Jorma Elo Affetta in affilato , eseguita da Thomas Davidoff del Boston Ballet II e messa in scena da Anthony Randazzo. Tuttavia, aveva un'energia molto più atletica. Il lavoro - e la consegna imponente di Davidoff - ha ricordato quella scena meravigliosa nel film di balletto L'azienda in cui un ballerino maschio, solo in uno spazio simile a una cattedrale, si muove rapidamente e con forza.
Christian Pforr del Boston Ballet II in 'Slice to Sharp' di Jorma Elo. Foto di Golden Lion Photography.
Davidoff ha ballato con un modo incredibilmente accattivante di mantenere una spinale scattante attraverso alcuni movimenti molto tecnici e complessi. Questo revisore, in qualità di critico con sede a Boston, non vede l'ora di vedere dove andrà nella struttura generale del Boston Ballet. Eppure il movimento era così veloce, così potente, così spettacolare, che si potrebbe desiderare un maggiore livellamento della velocità e delle energie fisiche quando qualcosa è costante, per mancanza di opposizione, significa meno.
Lì abbiamo avuto il postmodernismo. Anche la danza jazz ha fatto la sua apparizione, con il SundanceX Capriccio (dal coreografo e direttore artistico / fondatore David Sun). Con vocabolario come passaggi paralleli, layout e persino un italiano in stile Fossenessun gatto, il pezzo era sicuramente pieno di divertimento capriccioso e jazz. Ha offerto una svolta in stile Balanchine al classicismo fornito con stile e un sacco di gioco di gambe veloce. I colori vivaci dei costumi, uno diverso per la tutina di ogni ballerino, hanno aggiunto a quel senso di divertimento e stile. I ballerini hanno eseguito quelle sezioni allegre difficili, così come sezioni più lente con estensioni e giri sostenuti, lodevolmente.
stipendio di Julie Ertz
D'altra parte, ci si potrebbe chiedere che aspetto avrebbe l'abile coreografia - e la sua esecuzione - se i ballerini si assumessero più rischi con essa. I rilasci a terra sembravano molto controllati e sicuri, ad esempio, privi di drammi che avrebbero potuto essere avvincenti (ad eccezione di un ballerino in costume giallo). Forse i giovani ballerini, con una tecnica impressionante per la loro età apparente, sono in una fase in cui è il comando tecnico o un approccio audace alla loro danza. Mostrano molte promesse e potenzialità. In ogni caso, Sun ha fatto buon uso dei livelli nello spazio e nelle sezioni del palcoscenico, per creare un'immagine di scena piacevole.
Beth Mochizuki in 'Reverie' di Kevin Jenkins. Foto di Golden Lion Photography.
La costruzione dell'atmosfera in Reverie ha anche contribuito in modo significativo all'esperienza del pezzo, insieme a una retroilluminazione tenebristica sapientemente progettata (progetto luci di Stefano Petrilli). La coreografia di Kevin Jenkins ha offerto qualcosa di morbido e succulento, i due ballerini (Beth Mochizuki e Ruth Whitney) roteando i polsi e spostando la testa con curve ed estensioni aggraziate. I panini da ballo e le maniche lunghe e le gonne fluenti al ginocchio dei loro costumi scuri, hanno migliorato questo movimento semplice ma potente.
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C'era una gioia gioiosa simile a Mark Morris che riecheggiava in tutto questo. Aggiungendo a quella qualità, la musica strumentale degli archi, un violino solista ha cantato proprio come ha fatto il movimento. Tutto sommato, tutti questi elementi si sono uniti per creare un'esperienza estetica da non dimenticare. Tuttavia, l'unica critica è il desiderio di vedere i ballerini interagire di più. L'anima del loro ballo a parte, e quella dei momenti relativamente rari in cui si unirono, sollevava la questione di cosa avrebbe contribuito al pezzo. Con ciò, il pezzo avrebbe potuto essere un'esperienza ancora più sorprendente, memorabile e mozzafiato da prendere.
Poi è arrivato il lavoro finale, Island Moving Company's Memoria e Bicchiere , coreografato da Rodney Rivera . Un titolo del tutto appropriato, poiché il contenuto emotivo era abbastanza vivido da connettersi con i ricordi in ogni membro del pubblico. Con lo sguardo, l'espressione del viso, la qualità del movimento e il modo di interagire con gli altri ballerini, il cast ha creato un'esperienza emotiva, ma non melodrammatica, di arte della danza. A contribuire a questa esperienza è stata anche la formazione intelligente e innovativa di Rivera.
In una sezione, ad esempio, una fila di ballerini tutti maschi giaceva supina dietro il palco, con un braccio teso verso il cielo. La semplicità contrastava efficacemente il movimento virtuosistico al centro della scena. In un momento più sottile e drammatico, una (delle tre totali) ballerine giaceva in posizione fetale. Teneva le caviglie di due ballerini maschi per muoverle lentamente e delicatamente (non era così aggressivo o violento come 'trascinare' implicherebbe).
Island Moving Company in 'Memoria y Vidrio'. Foto di Golden Lion Photography.
L'immagine sul palco ha poi pronunciato molte migliaia di parole in qualcosa che sembrava avere tessuto connettivo per i millenni di perdita, amore, desiderio e speranza per un futuro migliore all'interno dell'esperienza umana collettiva. Tuttavia, si alzò, così come altri ballerini che eseguirono cambiamenti di livello simili attraverso (e proprio dentro) un lavoro di frase costruito con grazia. Tutto sembrava riecheggiare la linea poetica di Maya Angelou, 'E ancora mi alzo ... e ancora mi alzo'. Cadere, e poi risorgere, non è solo del passato o del presente.
Anche gli stili di danza, dal classico al moderno al postmoderno, non devono esserlo. Memoria e vetro , insieme ad altri lavori lodevoli in questo programma, hanno dimostrato che era vero. Possono intrecciarsi, camminare fianco a fianco ed essere in dialogo. Tutto ciò può far parte dell'osservazione e del commento cruciali che l'arte può offrirci. In un'epoca in cui i valori diversità e unità a volte sembrano in contrasto, quando talvolta lottiamo per conciliare divergenza e convergenza, ricordiamoci - come ha illustrato questo programma - che possono davvero essere una cosa sola.
Di Kathryn Boland di La danza informa.
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